Destaques

R|EXISTÊNCIA, primeira apresentação pública do PACAP 5, retoma a experiência de Existência, que Fiadeiro estreou em 2002 no Centro Georges Pompidou. Colocando os performers diante de um público sem qualquer tipo de partitura, recusava ao mesmo tempo a ideia de que se tratava de uma improvisação: era uma Composição em Tempo Real, ferramenta desenvolvida por Fiadeiro até hoje. Existência movia-se na fronteira entre processo e produto, obra e ensaio, acção e pensamento. É essa hibridez que se convoca agora com esta reprise, não para repetir o Existência, mas para voltar à sua dimensão irredutível: a experiência do desconhecido, do inacabado, do inesperado. A experiência da existência.

FICHA TÉCNICA
Direcção artística João Fiadeiro
Assistência de direcção e Performance Márcia Lança e Daniel Pizamiglio
Composição em Tempo Real / Performance / Participantes Forum Dança / PACAP 5
Andrei Bessa (BR), Aline Belfort (BR), Bárbara Cordeiro (PT), Bartosz Ostrowski (PL), Bruno Levorin (BR), Carolina Canteli (BR), Chloé Saffores (FR), Francisco Thiago (BR), Giovanna Monteiro (BR), Herlandson Duarte (CV/PT), Jean Lesca (FR), Katarina Lanier (US), Katinka Wissing (DK), Leonardo Shamah (BR), Leonor Lopes (PT), Leonor Mendes (PT), Lucas Damiani (UY), Nazario Díaz (ES), Nicole Gomes (BR), Nirvan Navrin (PT), Piero Ramella (IT), Roberto Dagô (BR), Rosa Sijben (NL), Ves Liberta (PT), Vicente Antunes Ramos (BR). Pode consultar todas as biografias dos artistas aqui.

Direcção técnica Leticia Skrycky / Santiago Rodriguez Tricot
Espaço Walter Lauterer
Som Arnold Noid / Nuno Rebelo / Adriana Sá
Luz Leticia Skrycky / Santiago Rodriguez Tricot
Produção Forum Dança
Coprodução Teatro do Bairro Alto

LOCAL DE APRESENTAÇÃO
Teatro do Bairro Alto
Sala Principal | Classificação Etária: M/6
Mais info sobre o Teatro do Bairro Alto aqui

Interessa-me a diferença porosa entre pessoas e coisas, e os limites entre a linguagem como corte (fixando normas e identidades) e a linguagem como fluxo, não-comparativo. É possível pressupor na “abstração” da linguagem do corte a sua força de “extração”, assim como é desejável pensar a linguagem como corrente ou fluxo, isto é, uma língua da travessia. Nesta sessão, irei partilhar elementos do processo que levaram à escrita de Fóssil (2020), que incide sobre as relações entre linguagem e geologia, e Spillovers (em processo), um texto háptico também apresentado como manual sexual ou ensaio tranfeminista que propõe uma releitura de “Borrador para un diccionario de las amantes” de Monique Wittig e Sande Zeig (1976).

Rita Natálio. Artista e pesquisador. Lésbica não-binárie. Os seus espaços de prática relacionam poesia, escrita eNsaística e performance. Doutorando em Estudos Artísticos na FCSH-UNL e Antropologia na USP, com bolsa FCT, pesquisa o recente debate sobre o conceito de Antropoceno e o seu impacto sobre a redefinição disciplinar e estética das relações entre arte, política e ecologia.

A partir da sua pesquisa doutoral, realizou uma série de conferências-performance, entre elas “Antropocenas” (2017) com João dos Santos Martins,  “Geofagia” (2018) e “Fóssil” (2020). Publicou também dois livros de poesia (“Artesanato”, 2015 e “Plantas humanas”, 2017). Em 2019, participou de um grupo curatorial fomentado por Ailton Krenak que organizou “Ameríndia: percursos do cinema indígena no Brasil” na Fundação Calouste Gulbenkian, uma mostra que trouxe 5 cineastas indígenas a Portugal e apresentou mais de 30 filmes de produção indígena. Em 2020, Rita Natálio co-organizou o seminário “Re-politizar o Antropoceno” dentro do projeto internacional Anthropocene Campus Lisboa junto com Davide Scarso e Elisabeth Johnson, projeto originado no HKW em Berlim e atualmente disseminado em diversas instituições culturais.

© Imagem: Rita Natálio. Coleção Museu Marítimo de Ílhavo

Estas palavras encerram a primeira metade de “Private Parts” de Robert Ashley, uma peça para voz, piano e tablas em dois episódios, “The Park” e “The Backyard”.

Antes de se tornar na sua primeira “ópera para a televisão”, “Perfect Lives”, a composição de Ashley foi parceira musical da peça improvisada PA RT de Lisa Nelson e Steve Paxton, que interpretaram entre 1978 e 2002.

Com base na imagem evocativa de Ashley e seguindo o “laboratório de visão” de Lisa Nelson, vou tecer um caminho através da interrupção e reparo, corte e costura, desaparecimento e restos: de fantasmas, textos e gestos.

Carla Bottiglieri é uma pesquisadora independente em teorias e pedagogias somáticas, treinada como professora e praticante de Body-Mind Centering e praticante de Rolfing/Structural Integration. Enquanto treinava e actuava em dança, estudou Classics and Aesthetics na Universidade de Salerno e Performing Arts na Universidade de Paris 8. Como membro da equipa de pesquisa “Soma & Po” no departamento de dança de Paris 8 (2010-2014), investigou as dimensões estéticas, clínicas e políticas da somática no seu encontro com os paradigmas de cuidado em instituições sociais de saúde. De 2008 a 2012 colaborou com grupos de pessoas com HIV ou com AIDS na experimentação de práticas de consciência corporal como recurso complementar em contextos terapêuticos. Actualmente vive em Faenza, Itália, onde faz parte da minima somatica.

© Imagem: Cléo Tabakian, a venir puis y retourne (Gravura em cobre sobre papel, 2014 – 10×10 cm)

Mathieu Bouvier é um artista visual, cineasta e pesquisador (PhD em Estética da Dança, Paris 8 University).

Faz pequenos vídeos, procurando um “déjà-vu” (saber mais aqui).

Frequenta regularmente a área da dança contemporânea como colaborador artístico.

Em colaboração com o coreógrafo francês Loïc Touzé, dirige actualmente um programa de workshops artísticos e um projecto de investigação denominado “For an atlas of figures” (saber mais aqui).

© Imagem: “Animal Locomotion: Plate 169 (Leapfrog)” por Eadweard Muybridge.

“Nesses tempos sombrios em que proliferam os dispositivos de controle, as resistências devem ser furtivas, mais do que frontais. Atacar em terreno aberto é se oferecer como carne de canhão aos múltiplos poderes que tendem a nos sujeitar, expor-se a ser capturado, desacreditado, criminalizado. Trata- se então de resistir em modo menor, pois colocar-se como maior, maduro, responsável, significa obrigatoriamente ter de se render quando a polícia, os serviços secretos, as agências de segurança nos convocam para prestar contas de nossas vidas furtivas.

A marronagem, portanto, é menos uma forma de conquista do que de subtração ao poder. As táticas furtivas são táticas de des-captura: a qualquer tentativa de captura, opõem o vazio. É essa potência corrosiva da marronagem diante dos aparelhos de captura e dos simulacros produzidos que chamo de fuga.”

Cosmopoética do Refúgio, Cultura e Barbárie, 2020.

Dénètem Touam Bona é um filósofo e escritor, colaborador do Instituto Tout-Monde (centro dedicado à obra de Edouard Glissant). Autor de “Fugitif où cours-tu?” (Puf, 2014), “Cosmopoética do Refúgio (Cultura e Barbárie, 2020) e “La sagesse des lianes” (post éditions, 2021), livros que procuram investigar e celebrar as artes fugitivas da marronagem e as promessas metafísicas de uma filosofia centrada na espessura da folhagem e o entrelaçamento de lianas. Dénètem Touam Bona teve muitas experiências: oficinas de formação e redação na prisão, documentalista numa rede internacional de solidariedade, professor de literatura e filosofia na Guiana e Mayotte, etc.

© Imagem: “La Sagesse des lianes” organizado no Centre international d’art du paysage Île de Vassivière, a partir de 18 de Setembro de 2021.

“Dizem que os golfinhos de rio não saltam tanto quanto os golfinhos do oceano. Por causa dos fluxos turvos da água corrente eles não confiam nos seus olhos. Os seus olhos encolhem. A sua escuta torna-se mais matizada. Tornam-se especialistas em forma e moldam-se para se tornarem estreitos, esticando-se como o rio.” – Alexis Pauline Gumbs, Undrowned

No meio de águas turvas, é muitas vezes urgente desenvolverem-se técnicas de escuta e de atendimento para com o nosso entorno. Antropoceno, Capitaloceno, Plantaçãonoceno, Coronoceno: o nosso presente desconhece o seu nome, mas aponta invariavelmente para uma perigosa extinção de muitas espécies, práticas ou modos de relação passados, presentes e futuros: um desaparecimento perigoso de formas de sentir e de estarmos uns com os outros. Em Mushroom at the End of the World. On the Possibility of Life in the Ruins of Capitalism, Anna L. Tsing sugeriu um antídoto para esta extinção: o desenvolvimento de novas “artes da atenção” — isto é: a insistência em celebrar velhos e novos modos de viver e de morrer, de perceber o nosso entorno, de se estar disponível para o outro.

De setembro a novembro de 2021 o primeiro bloco do PACAP5 (https://www.forumdanca.pt/pacap5en/) receberá 24 bailarinos, intérpretes e investigadores para um treino na Composição em Tempo Real de João Fiadeiro, uma técnica entre muitas outras para praticar descentramentos radicais e assistir aquilo que excede a experiência humana. Fernanda Eugénio, colaboradora de Fiadeiro há longo tempo, sugeriu a ferramenta conceptual reparar para descrever esses novos modos de atenção que pareciam ser exigidos pelo nosso presente conturbado e preocupante. Em português, reparar pode ser entendido tanto como “perceber, assistir”, quanto como “restaurar, reparar”. Também significa “parar duas vezes” (re-parar). Existe poder no emaranhado desses três significados. Eles convidam todas as pessoas, de uma vez, a parar e observar como se fosse uma forma de compromisso para com o presente e uma vontade de restaurar o que foi ferido. Numa série de conversas à lareira que acompanharão os nossos três meses juntos, a “trabalhadora do texto” e pensadora Emma Bigé convida escritores, poetas, criadores & activistas a pensar connosco qual a poética da atenção que é necessária agora. O que percebemos? O que ignoramos? O que é que precisa de ser visto e sentido para que as mudanças ocorram? Quem somos e em que colectivos nos poderemos nós tornar para ouvirmos as vozes inéditas das nossas experiências? Às vezes os nossos convidados estarão connosco apenas uma noite, às vezes irão demorar-se mais e ficar connosco no estúdio por alguns dias. Todos os nossos encontros de quarta-feira serão abertos ao público, como uma série de ofertas às comunidades de Lisboa que são nossas vizinhas.

Lista de pessoas convidadas:

Esta performance é uma variação do trabalho O que fazer daqui para trás (Colectivo REAL, 2015), uma peça que tem um dispositivo muito simples: os performers correm à volta de um teatro até ao esgotamento e, exauridos, voltam a um palco vazio, ocupado unicamente por um microfone ao centro. Voltam ao palco para partilhar com o público uma experiência singular que tenham tido na rua a partir de algo que viram, sentiram, imaginaram.

Na versão original, essa partilha era feita de forma oral e de cada vez que um performer entrava, o precedente saía a correr, de volta para a rua. Nesta versão, a partilha é feita através de “haikus performáticos”, que podem ou não envolver texto, onde os performers são convidados a usar o corpo todo, o corpo-coisa, o corpo expandido. A presença dos performers, ao contrário da versão original, é cumulativa e simultânea, produzindo uma multiplicação de micro e nano intervenções nos lugares mais inusitados do Espaço do Penha.

Aquilo que nos interessa, ao dar início a um curso de formação e investigação com uma performance (que normalmente acontece no fim de um processo), é exatamente esse desejo de começar pelo fim, de começar pelo meio, de começar fazendo, em linha com a célebre proposta Becktteniana de se “dançar primeiro e pensar depois”.