Agenda

Conteúdos

1. Panorama da História da Dança Ocidental;
2. A Nova Dança Portuguesa;
3. Crítica e Estética na Dança Contemporânea.

Objetivos

• Fixar os eixos históricos da Dança Ocidental;
• Conferir léxico de Dança Contemporânea ao aluno;
• Utilização da linguagem e ferramentas críticas no âmbito da produção em Dança.

Biografia

Ezequiel Santos, psicólogo e psicoterapeuta, docente na Escola Superior de Hotelaria e Turismo do Estoril na área de ciências sociais e humanidades, docente convidado na Escola Superior de Dança em Lisboa em 2005/2006.

Concluiu o CMDC II do Forum Dança, em 1993, desenvolvendo desde então a sua atividade como pedagogo nas áreas da psicologia, comunicação, dança criativa e ainda como crítico de dança.

Foi intérprete dos coreógrafos Madalena Victorino, Rui Nunes e Francisco Camacho até 1996 apresentando-se em várias cidades europeias.

Entre 1996 e 2006 trabalhou no Forum Dança como diretor do Núcleo de Apoio Coreográfico.

Leciona regularmente as disciplinas de “História da Dança” e “Teoria da Dança” e tem apresentado várias comunicações sobre dança na Europa e no Brasil.

Conteúdos

1. Aquisição de um vocabulário terminológico específico à música;
2. Desenvolvimento das capacidades auditivas referentes à deteção, definição e caracterização das principais componentes constituintes do fenómeno musical;
3. Desenvolvimento da acuidade da escuta;
4. Desenvolvimento da capacidade de distinguir estilos musicais;
5. Familiarização com situações específicas à prática musical;
6. Reconhecimento de relações entre a música e as outras artes do espetáculo;
7. Desenvolvimento da capacidade de dissertação sobre o fenómeno musical.

Objetivos

• Saber detetar e caracterizar as principais componentes técnicas constituintes de uma música;
• Conhecer e aplicar o léxico de termos musicais elementar;
• Distinguir e caracterizar alguns dos principais estilos musicais do passado e dos nossos dias;
• Saber construir um discurso de carácter genérico sobre música.

Biografia

Licenciado em Ciências Musicais, obteve em 2007 o grau de Mestre na Faculdade de Ciências Sociais e Humanas com a dissertação intitulada «A Paisagem Musical e Sonora da Cidade de Lisboa no Ano de 1890». Em 2024 obteve o Diploma de Estudos Avançados pela conclusão do curso de Doutoramento em Estudos Artísticos – Arte e Mediações, na mesma faculdade. Prossegue, entretanto, a elaboração da sequente tese com base no projeto de investigação intitulado «A Explicitação Conceitual do Exercício da Escuta Musical». Entre 1996 e 2002 desenvolveu a atividade artística de compositor e ator em espetáculos de Dança e Teatro, assim como em Instalações Artísticas. Enquanto docente, foi professor na Academia Nacional Superior de Orquestra, entre 2000 e 2010, e na Escola Profissional Metropolitana, entre 2008 e 2010. É Assistente Convidado na Licenciatura em Dança do Departamento de Educação, Ciências Sociais e Humanidades da Faculdade de Motricidade Humana, onde leciona o Módulo de Movimento e Expressão Musical no âmbito da disciplina Dança e Práticas Expressivas. Desde 1996, é formador no curso de Gestão e Produção das Artes do Espectáculo promovido pela associação cultural Forum Dança. Desde 2007, exerce a profissão de Mediador Cultural / Musicólogo na Associação Música, Educação e Cultura – O Sentido dos Sons (Metropolitana), onde realiza conteúdos destinados ao funcionamento e à divulgação pública da atividade da Orquestra Metropolitana de Lisboa e dos outros agrupamentos musicais tutelados por esta instituição. Também aí, desenvolve projetos diversos, tais como concertos comentados, ações de formação junto dos Centros de Formação do IEFP (desde 2014), a autoria do livro «Metropolitana 30 Anos – Memória e Futuro» (publicado em 2023) e a coordenação do projeto MUSICAR – Prática Musical para Pessoas com Cegueira ou Baixa Visão e Pessoas Surdas (2023), com apoio da MusicAIRE, ação cofinanciada pela União Europeia para apoio à Indústria da Música.

Conteúdos

Com este curso pretende-se apresentar e discutir alguns modos variados de fazer e ver teatro – hoje e ao longo dos tempos.

Como esses modos podem ser parecidos com aqueles a que se opõem e como também os da mesma família podem estar afinal nos antípodas uns dos outros.

Algumas linhas de força:

O teatro e o antiteatro; o texto dramático e o espetáculo; o teatro e a performance; artes plásticas e artes do espetáculo; encenação e dispositivo; ser personagem ou ser o que se é; ver ou estar dentro.

Biografia

Miguel Castro Caldas escreve peças de teatro que antigamente entregava a um encenador, mas agora prefere ser ele a colocá-las em cena com a ajuda de amigos. Fez dramaturgia de espetáculos, traduz ocasionalmente e dá aulas na licenciatura de Teatro na ESAD e na Pós-Graduação em Artes da Escrita na FCSH. Tem o título de Especialista em Artes do Espetáculo e está a preparar um doutoramento no programa em Teoria da Literatura na FLUL. Alguns dos seus textos estão publicados na coleção Livrinhos de Teatro dos Artistas Unidos, na editora Ambar, na Douda Correria, na Mariposa Azual, na Culturgest, na Primeiros Sintomas, e nas revistas Artistas Unidos, Fatal e Blimunda.

Recentemente publicou a Antologia Se eu vivesse tu morrias e outros textos, publicado na Imprensa Universitária de Coimbra e Enseada, na Douda Correria.

Ganhou uma Menção Honrosa em 2005 pela atividade de dramaturgo pela Associação de Críticos de Teatro e o prémio SPA 2017 para melhor texto português representado com Se Eu Vivesse Tu Morrias. Alguns dos seus textos estão traduzidos em espanhol, francês, húngaro, inglês e italiano.

Conteúdos

• A importância da comunicação e da estratégia de comunicação aplicada às atividades culturais;
• Caracterização da identidade do evento, avaliação de público-alvo e seus comportamentos, posicionamento artístico e objetivos do projeto artístico a comunicar, benchmarking;
• Ferramentas de mapeamento e planeamento estratégico para a comunicação;
• Identidade visual e linguagem na estratégia de comunicação;
• Partilha de casos práticos e aplicação de ferramentas de plano estratégico de comunicação;
• Ferramentas para desenvolvimento de campanhas de comunicação em assessoria de imprensa, digital & redes, indoor & outdoor, ações de visibilidade.

Objectivos

• Compreender o lugar da comunicação no sector cultural e as suas relações com diferentes projetos de diferentes escalas – institucionais e independentes;
• Obter competências de planeamento e de estratégia em comunicação;
• Desenvolver mecanismos de análise de projetos artísticos, segmentação de públicos e de meios para a execução de um plano estratégico de comunicação;
• Conhecer instrumentos e ferramentas para desenvolver a comunicação de um projeto cultural.

Biografia

Inês Lampreia é diretora de comunicação da Materiais Diversos, desde março de 2019 e colaboradora em comunicação editorial na Culturgest, desde 2023. Mestre em Comunicação, Cultura e Tecnologias da Informação (ISCTE), coordenou a comunicação da Agência 25 (2019-2021), dirigiu a comunicação da exposição Festa. Fúria. Femina. – Obras da Coleção FLAD (2020) e o Ciclo de Cinema Outsiders (2021). Entre 2016 e 2019 foi diretora de comunicação da estrutura dedicada às artes performativas Alkantara e, em 2018, do programa Hospitalidade (SCML). Coordenou a comunicação do projeto de artes participativas Dentes de Leão (2022-24, EEGrants), desenvolveu consultoria de comunicação para a Companhia Maior, a coreógrafa Cláudia Dias (projeto A Coleção do meu pai), a coreógrafa Sofia Silva, para a produtora de exposições Terra Esplêndida e para o Centro Cultural de Cascais/Fundação D. Luís. Na área do jornalismo, foi editora da revista VEGA (2004-2008), jornalista da Lanetro.pt (2000-2002) e colaboradora da National Geographic, Diário de Notícias e Fotomagazine.
É professora assistente convidada na Escola Superior de Dança (IPL), desde 2022, onde leciona a unidade curricular de Comunicação em Artes; é formadora de comunicação cultural da Academia Gerador e do curso de produção de espetáculos da World Academy. Desenvolve formação na área da comunicação cultural em diferentes municípios e estruturas institucionais e independentes, um pouco por todo o país.
Em produção cultural foi diretora executiva do MONSTRA – Festival de Animação de Lisboa (2009-2011), coordenadora executiva da APORDOC – Associação para o Documentário (2013), produtora no Festival Alkantara (2012-2016) e no CITEN – Centro de Imagem e Técnicas Narrativas, da Fundação Calouste Gulbenkian (2003-2004).
Enquanto autora, foi premiada pela Casa do Alentejo na categoria de conto, em 2011, foi publicada pela Edições Pasárgada, Centro de Estudos Mário Cláudio, pela Kultivera (SE), Universidade de Uppsala (SE) e Editora Urutau.

Conteúdos

1. A Gestão Financeira no contexto das artes do espetáculo;
2. Instrumentos de Gestão Financeira;
3. Financiamento de Projetos Artísticos.

Objetivos

• Reconhecer a utilidade da gestão financeira, no contexto das artes do espetáculo;
• Utilizar os instrumentos da gestão financeira para analisar e procurar a viabilidade económico-financeira do projeto artístico;
• Conduzir corretamente pedidos de financiamento para projetos artísticos.

Biografia

Rita Guerreiro, licenciada em Gestão pela Universidade Católica Portuguesa. É gestora na Cassefaz e na Academia de Produtores Culturais.

Foi Diretora de Marketing/Financeira no Teatro Municipal Maria Matos e autora do capítulo de Gestão Financeira do Guia das Artes Visuais e do Espetáculo.

É formadora do módulo de Gestão Financeira no CGPAE/ Forum Dança. Deu aulas na Escola Superior de Teatro e Cinema (Gestão Cultural), ETIC (Gestão e controle orçamental) e na Universidade Católica (Gestão de Empresas Media).

Conteúdos

1. O conceito de políticas culturais: significado, progressão, âmbito e escalas, em Portugal e no limite da Europa;
2. O papel do Estado: o Ministério da Cultura como entidade normativa e operadora das políticas culturais nacionais promovidas pelo governo central, e a iniciativa autónoma ou complementar do governo local;
3. Apoio às artes do espetáculo: medidas operacionalizadas pela Direção-Geral das Artes para a concretização das políticas públicas de cultura e instrumentos disponibilizados aos agentes culturais para financiamento da atividade profissional;
4. Enquadramentos e referências: diretivas e iniciativas europeias e estudos e relatórios estatísticos nacionais.

Biografia

Paula Varanda, Lisboa, 1970. Investigadora doutorada em 2016 pela Middlesex University em Humanidades e Estudos Artísticos, concluiu o Master of Arts em Coreografia e Artes Performativas na mesma universidade em 2003 e é licenciada pela Escola Superior de Dança do Instituto Politécnico de Lisboa.

Foi Diretora-Geral da Direção-Geral das Artes (Ministério da Cultura) em comissão de serviço (2016-2018) e assessora do Instituto das Artes (2004-2007).

É autora dos livros Dançar é Crescer – Aldara Bizarro e o Projecto Respira (caleidoscópio 2012) e 70 Críticas de Dança (caleidoscópio 2020).

Escreve sobre artes e cultura em várias publicações académicas e culturais e colaborou como crítica com o jornal Público de 2004 a 2016.

Entre 1994 e 2005 profissionalizou-se na produção, gestão e coordenação de projetos artísticos nacionais e internacionais em entidades como Danças na Cidade/Alkantara, Re.Al – João Fiadeiro, Danse Bassin Mediterranée e Body-Data-Space.

Em 2008, criou o Dansul – dança para a comunidade no sudeste alentejano – realizado em parceria com 4 autarquias, assumindo a direção artística e de gestão até dezembro 2015.

Foi professora adjunta na Escola Superior de Dança (2010-2011) e convidada da Faculdade de Motricidade Humana, da ALSUD e do Forum Dança.

Desde 2020 é professora auxiliar convidada no Mestrado em Artes Cénicas da Faculdade de Ciências Sociais e Humanas da Universidade Nova de Lisboa e desde 2019 investigadora integrada do Instituto de História da Arte da mesma faculdade.

Interessam-lhe temáticas da inclusão, descentralização e desenvolvimento pela arte e pela educação; as práticas e teorias sobre corpo e novos média na sociedade contemporânea; e as políticas culturais para o acesso e sustentabilidade das artes.

Conteúdos

A formação pretende proporcionar motivação, conhecimento e a capacidade de detectar oportunidades de financiamento para projetos artísticos e culturais.

Num primeiro momento, pretende apresentar de forma sintética o panorama global dos programas comunitários que estão ao dispor de Portugal e que potencialmente podem financiar projetos no domínio das artes e da cultura, fazendo a distinção entre o que são os programas em regime de subsidiariedade – isto é: o que foi/é o Portugal 2020; o que será o novo Portugal 2030; que Programas Operacionais? Como funciona a organização regional? Qual o papel das Comunidades Intermunicipais, como se articulam com o novo Plano de Recuperação e Resiliência? –  e os programas em regime direto com a Comissão Europeia, cuja gestão é direta entre o beneficiário e a Comissão Europeia.

Num segundo momento, pretende-se dar os elementos específicos de como transformar uma ideia num projeto, os principais elementos a ter em conta que antecipam a formalização da candidatura: a lógica dos avisos de abertura de concurso, onde apresentar as candidaturas, como fazer os registos nas bases de dados europeias e todas as formalidades necessárias.

Por fim, dar a conhecer algumas dicas e truques práticos para encontrar as parcerias certas e inspiração em projetos “campeões” no setor das artes e cultura, na esperança de motivar e dar a compreender como outras instituições acederam aos financiamentos comunitários, fomentando o diálogo e a troca de experiências.

Biografia

Francisco Cipriano, mestre em Geografia e Planeamento Regional e Local, está atualmente no Serviço de Planeamento e Estratégia da Fundação Calouste Gulbenkian, onde é responsável por encontrar e acompanhar as oportunidades de cofinanciamento por fundos comunitários e outras iniciativas e programas europeus que possam enquadrar as várias atividades da fundação.

A sua vida profissional está ligada à execução e acompanhamento, avaliação e controlo de instrumentos de apoio às políticas públicas, sobretudo no âmbito do desenvolvimento regional e da política de coesão.

A sua experiência profissional tem vindo a criar sólidas ligações com a gestão e a implementação dos programas e projetos estruturais da União Europeia e dos Fundos Comunitários em Portugal, designadamente, nos setores artísticos e culturais.

É ainda o impulsionador do projecto Laboratório de Candidaturas, Fundos Europeus para a Arte, Cultura e Criatividade, um espaço de confluência de ideias e pessoas em torno das principais iniciativas de financiamento europeu para o setor cultural.

Para além disso é homem para muitas atividades. É coautor do primeiro guia nacional de surf, Portugal Surf Guide e host no documentário Movement, a journey into Creative Lives.

Conteúdos

1. Introdução ao léxico e enquadramento legal nas Artes do Espetáculo;
2. Direitos de Autor e Direitos Conexos – tipologia, jurisprudência e resultado da transposição de diretivas comunitárias;
3. O Direito e a Prática;
4. Obrigações legais da atividade profissional na Produção de Espetáculos;
5. Noções Elementares do Direito do Trabalho e do contrato de prestação de serviços;
6. Noção do processo de constituição de associações e sociedades comerciais;
7. Caracterização do Estatuto do Trabalhador Independente.

Objetivos

• Identificar e prevenir os processos legais inerentes à atividade de Produção e Promoção de Espetáculos;
• Ter conhecimento da legislação vigente no que concerne aos Direitos de Autor e Direitos Conexos;
• Ter noção da relação contratual por conta de outrem e da prestação de serviços;
• Apreender o processo de constituição de sociedades e associações.

Biografias

Madalena Zenha, licenciada em Direito na Universidade de Coimbra. Desde 1989, exerce advocacia, prestando, entre outros, serviços na área da propriedade intelectual, direito civil e direito da família e sucessões, tendo participado em diversas conferências, workshops e congressos, enquanto participante e/ou conferencista.

Tem os cursos de mediadora familiar e de formadora, tendo exercido a atividade de mediadora no Gabinete de Mediação Familiar de Lisboa.
A par da advocacia, de 1989 até 1997, exerceu atividade profissional na área de produção, agência e marketing de espetáculos musicais e representação de artistas.
Desde 2011, pertence ao Conselho Regional de Lisboa da Ordem dos Advogados.
Leciona o módulo de Direito na Cultura desde 2002, no Curso de Gestão/Produção das Artes de Espetáculo do Forum Dança.

Anabela de Almeida Rodrigues, licenciada pela Faculdade de Direito de Lisboa em 1988. Estágio de advocacia realizado com o Dr. Edgar Valles.

Inscrita na Ordem dos Advogados em 1991, pelo Conselho Distrital de Lisboa, iniciando prática forense nessa mesma data.

Áreas de Prática: Direito das Obrigações; Direito Laboral; Direito de Família; Direito das Sucessões (inventários, habilitações e partilhas) e Direito Societário e Associativo.

Conteúdos

1. História fundamental do drama e dos Teatros;
2. A constituição técnica do Teatro;
3. Princípios fundamentais de Direção de Cena;
4. Iluminação e Som em Cena;
5. Cenografia e Figurinos;
6. Segurança em cena e na sala de espetáculos;
7. Projeto e materiais em Direção de Cena;
8. Especificidades técnicas de Dança, Teatro, Cinema e Música;
9. O papel da direção de cena no processo criativo e em cena.

Objetivos

• Dominar o léxico fundamental das estruturas teatrais;
• Gerir e administrar as variáveis do palco: figurinos, camarins, cenografia e montagem, segurança; desenho de luz, som e vídeo;

Aptidões básicas e fundamentais na direção de palco: gestão da cena.

Biografia

Jonas Omberg é sueco e passou a sua infância na Suécia e a adolescência em Portugal. Entre 1991 e 1996 residiu nos EUA, onde tirou a licenciatura em Teatro, especialização em Representação e Direção de Cena / Produção com estudos complementares em línguas estrangeiras, na Bennigton College em Vermont.

Entre 1997 e 2015 trabalhou como Diretor de Cena no Centro Cultural de Belém, tendo acumulado funções como Coordenador do Departamento da Direção de Cena entre 2008 e 2015.

É desde 2014 Professor Assistente na Escola Superior de Teatro e Cinema onde leciona Técnicas de Palco II no curso da licenciatura em Teatro: Ramo Produção. Desde 2014 também lecciona Direção de Cena no Curso de Gestão/Produção das Artes de Espetáculo no Forum Dança. Desde 2016, trabalha como freelancer em direção de cena e produção.

Conteúdos

1. A programação cultural enquanto campo específico de atuação;
2. Panorâmica sobre a programação cultural em Portugal em relação com o espaço europeu;
3. Elementos em jogo na constituição de uma programação: autoria, contexto e economia; programadores, criadores, públicos e críticos;
4. Práticas artísticas contemporâneas e sua relação com conceitos e estratégias de programação;
5. A relação com os públicos: relevância e participação, tempos e lugares;
6. Formatos, ritmos e escalas de programação: eventos, ciclos, festivais, programação regular, etc.;
7. Programação em rede e outras formas de cooperação: exemplos nacionais e internacionais;
8. Programação em perspetiva: análise comparada de estratégias.

Objetivos

• Compreensão do papel do programador no campo da produção cultural;
• Aquisição de ferramentas de análise crítica sobre a programação cultural e sua relação com as políticas culturais, a produção artística, a produção de conhecimento e as dinâmicas societais;
• Reconhecimento de estratégias contemporâneas na área da programação cultural, em particular no caso das artes do espetáculo;
• Desenvolvimento de sensibilidade e capacidade de diálogo com os vários intervenientes numa programação cultural;
• Desenvolvimento de competências básicas de conceção e planeamento de uma programação.

Biografia

Elisabete Paiva é licenciada em Produção Teatral e mestre em Estudos de Teatro. Trabalhou como produtora com Luís Castro, Teatro do Vestido e Pedro Sena Nunes.

Foi responsável pelo Serviço Educativo do Centro Cultural Vila Flor (2006 a 2014), na sequência de experiências marcantes de cruzamento entre criação, educação e território no CENTA – Centro de Estudos de Novas Tendências Artísticas (2003–2005).

Concebeu e programou o Serviço Educativo de Guimarães 2012 CEC e atualmente é Diretora Artística do Festival Materiais Diversos.

Objetivos

• Refletir sobre o poder da arte como um agente de transformação social, com foco na sua capacidade de contribuir para sociedades mais justas;
• Compreender conceitos-chave como: acesso à cultura, democratização da arte, democracia cultural, arte participativa e arte comunitária, explorando as suas implicações para a construção de uma cultura mais equitativa;
• Analisar exemplos práticos de projetos de arte participativa, discutindo sobre como essas iniciativas podem promover a transformação social e o envolvimento das comunidades na criação artística e na prática cultural;
• Discutir as implicações das práticas de participação para as formas de produção artística, investigando como elas alteram a relação entre artistas, instituições e públicos;
• Refletir sobre o impacto e as mudanças que as práticas participativas podem provocar nas entidades artísticas e nas instituições culturais, influenciado o seu posicionamento social;
• Desenvolver competências práticas para a criação e produção de projetos culturais participativos ou liderados pelas comunidades.

Biografia

Narcisa Costa é gestora de projetos de Arte Participativa e Acesso à Cultura, na Fundação Calouste Gulbenkian.
Formada pela Escola Superior de Dança (Lisboa) e pela Hoogeschool voor the Kunsten/ European Dance Development Center (Arnhem), desenvolveu grande parte da sua atividade profissional como produtora e gestora de projetos artísticos e culturais, tais como: Festival Danças na Cidade, Companhia Re.Al/João Fiadeiro, Espaço do Tempo, Companhia Clara Andermatt, Alkantara Festival, Arena Ensemble, Festival de Música de Setúbal, entre outros. Nos últimos anos, o seu interesse orientou-se para a promoção da participação e do acesso às artes e cultura, fundamentais para a criação de sociedades mais justas.

Conteúdos

1. Introdução às questões técnicas de Luz e Som, aplicadas à produção nas artes performativas:
   • Meios técnicos;
   • Léxico específico.

Objetivos

• Conferir o domínio básico do léxico técnico de luz e som aplicados às artes performativas.

Módulo de Luz com Carlos Ramos

Biografia

Carlos Ramos possui o curso de Luminotécnico, IFICT – 1991 e o curso de Cinema, Área de Produção, ESTC – 1995.

Como desenhador de luz destaca o seu trabalho com os criadores Clara Andermatt, Francisco Camacho, Tiago Guedes, Real Pelágio, Vítor Rua, Miguel Pereira, Aldara Bizarro, Filipa Francisco, Rui Chafes, Raiz di Polon, Jonas & Lander, Diana Niepce, Teresa Silva e Elizabete Francisca.

Integrou a direção técnica dos Festivais Mergulho no Futuro/EXPO 98, Ponti 2001/TNSJ, Festival Danças na Cidade/Alkantara (2002 a 2012), Artemrede (2005 a 2008), Festival Citemor desde (2008 a 2022), Festival Materiais Diversos (2013 a 2017), BoCA – Biennial of Contemporary Arts (2017 a 2021), Teatro Nacional São Carlos (2017 a 2022).

Integrou a equipa técnica como diretor técnico e operador de luz de vários espetáculos em tour desde 1996, trabalhando entre outros com Vera Mantero, Francisco Camacho, Clara Andermatt, Real Pelágio, Rui Catalão, Teatro do Vestido e John Romão.

Integrou o corpo docente da Unidade Curricular de Produção da Escola Superior de Dança/Instituto Politécnico de Lisboa entre 2007 e 2012.

Atualmente é o diretor técnico da Culturgest.

Módulo de Som com Rui Campos Leitão

(ver biografia no módulo de Música)

As matérias apreendidas no curso ganham corpo e são aplicadas na elaboração de um projeto de âmbito cultural.

Deve contemplar todas as vertentes de planeamento e gestão de um projeto artístico e é acompanhado pela coordenadora pedagógica do Forum Dança (Dora Carvalho) e pelas formadoras de Gestão Financeira (Rita Guerreiro), Estratégias de Programação (Elisabete Paiva) e Comunicação Cultural (Inês Lampreia).

Realiza-se uma sessão de Projeto a cada final dos seguintes módulos:

• Comunicação Cultural (28h), com Inês Lampreia
• Gestão Financeira (28h), com Rita Guerreiro
• Estratégias de Programação (21h), com Elisabete Paiva