Conteúdos

1. Panorama da História da Dança Ocidental;
2. A Nova Dança Portuguesa;
3. Crítica e Estética na Dança contemporânea.

Objectivos

• Fixar os eixos históricos da Dança Ocidental;
• Conferir léxico de Dança Contemporânea ao aluno;
• Utilização da linguagem e ferramentas críticas no âmbito da produção em Dança.

Biografia

Ezequiel Santos, psicólogo e psicoterapeuta, docente na Escola Superior de Hotelaria e Turismo do Estoril na área de ciências sociais e humanidades, docente convidado na Escola Superior de Dança em Lisboa em 2005/2006. Concluiu o CMDC II do Forum Dança, em 1993, desenvolvendo desde então a sua actividade como pedagogo nas áreas da psicologia, comunicação, dança criativa e ainda como crítico de dança.

Foi intérprete dos coreógrafos Madalena Victorino, Rui Nunes e Francisco Camacho até 1996 apresentando-se em várias cidades europeias. Entre 1996 e 2006 trabalhou no Forum Dança como director do Núcleo de Apoio Coreográfico. Lecciona regularmente as disciplinas de “História da Dança” e “Teoria da Dança” e tem apresentado várias comunicações sobre dança na Europa e no Brasil.

Conteúdos

1. Aquisição de um vocabulário terminológico específico à música;
2. Desenvolvimento das capacidades auditivas referentes à detecção, definição e caracterização das principais componentes constituintes do fenómeno musical;
3. Desenvolvimento da acuidade da escuta;
4. Desenvolvimento da capacidade de distinguir estilos musicais;
5. Familiarização com situações específicas à prática musical;
6. Reconhecimento de relações entre a música e as outras artes do espetáculo;
7. Desenvolvimento da capacidade de dissertação sobre o fenómeno musical.

Objectivos

• Saber detectar e caracterizar as principais componentes técnicas
  constituintes de uma música;
• Conhecer e aplicar o léxico de termos musicais elementar;
• Distinguir e caracterizar alguns dos principais estilos musicais
  do passado e dos nossos dias;
• Saber construir um discurso de caráter genérico sobre música.

Biografia

Rui Campos Leitão, formado em Musicologia, desenvolveu pontualmente a sua atividade artística no domínio das Artes do Espetáculo.

Obteve o grau de Mestre na Faculdade de Ciências Sociais e Humanas com a dissertação intitulada «A Paisagem Musical e Sonora da Cidade de Lisboa no Ano de 1890». Foi professor na Academia Superior de Orquestra da Metropolitana entre 2000 e 2010. Colabora com o Departamento de Dança da Faculdade de Motricidade Humana desde 1997, onde é atualmente Professor Auxiliar Convidado, e é desde 1996 formador dos cursos do Forum Dança, designadamente do curso de Gestão e Produção das Artes do Espectáculo (CGPAE) e, mais recentemente, do Programa de Estudo, Pesquisa e Criação Coreográfica (PEPCC).

Exerce a profissão de musicólogo na AMEC / Metropolitana. Aí, desenvolve conteúdos destinados ao funcionamento e à divulgação da atividade da Orquestra Metropolitana de Lisboa e dos múltiplos agrupamentos tutelados por aquela associação cultural. Desde 2007, tem vindo a desempenhar funções de assessoria junto das suas sucessivas direcções.

Conteúdos

Com este curso pretende-se apresentar e discutir com os participantes alguns modos variados de fazer e ver teatro – hoje e ao longo dos tempos. Como esses modos podem ser parecidos com aqueles a que se opõem e como também os da mesma família podem estar afinal nos antípodas uns dos outros.

Algumas linhas de força:

O teatro e o antiteatro; o texto dramático e o espectáculo; o teatro e a performance; artes plásticas e artes do espectáculo; encenação e dispositivo; ser personagem ou ser o que se é; ver ou estar dentro.

Biografia

Miguel Castro Caldas escreve peças de teatro que antigamente entregava a um encenador, mas agora prefere ser ele a colocá-las em cena com a ajuda de amigos. Fez dramaturgia de espectáculos, traduz ocasionalmente e dá aulas na licenciatura de Teatro na ESAD e na Pós-Graduação em Artes da Escrita na FCSH. Tem o título de Especialista em Artes do Espectáculo e está a preparar um doutoramento no programa em Teoria da Literatura na FLUL. Alguns dos seus textos estão publicados na colecção Livrinhos de Teatro dos Artistas Unidos, na editora Ambar, na Douda Correria, na Mariposa Azual, na Culturgest, na Primeiros Sintomas, e nas revistas Artistas Unidos, Fatal e Blimunda.

Recentemente publicou a Antologia Se eu vivesse tu morrias e outros textos, publicado na Imprensa Universitária de Coimbra e Enseada, na Douda Correria.

Ganhou uma Menção Honrosa em 2005 pela actividade de dramaturgo pela Associação de Críticos de Teatro e o prémio SPA 2017 para melhor texto português representado com Se Eu Vivesse Tu Morrias. Alguns dos seus textos estão traduzidos em espanhol, francês, húngaro, inglês e italiano.

Conteúdos

1. Análise de conceitos, estratégias e técnicas de comunicação cultural;
2. Análise crítica e elaboração de estratégias de comunicação cultural;
3. Apresentação de casos de estudo do sector cultural.

Objectivos

Conhecer os principais instrumentos e ferramentas de marketing adequados ao sector cultural, e adquirir competências que lhe permitam: analisar e segmentar os públicos-alvo, definir os meios e suportes de comunicação e divulgação mais adequados, organizar e redigir um plano de comunicação.

Biografia

Rita Tomás é Diretora de Comunicação do TBA, o mais recente teatro municipal de Lisboa dedicado às artes performativas experimentais. Antes, passou pelo Centro Cultural de Belém e fez parte da equipa do Maria Matos Teatro Municipal durante quase dez anos. Licenciada em Ciências da Cultura pela Faculdade de Letras, completou uma pós-graduação em Edição de Livros e Formatos Digitais na UCP e foi ainda bolseira Gulbenkian no mestrado em Arts Administration and Cultural Policy na Goldsmiths, em Londres. Foi docente na Escola Superior de Teatro e Cinema e tem sido responsável por cursos de Comunicação Cultural em universidades, com a Acesso Cultura e com o Forum Dança. É consultora de comunicação do arquivo online de artistas mulheres, pessoas não-binárias e intersexo É um oceano, não é uma poça de onde se bebe de uma vez.

Conteúdos

1. A Gestão Financeira no contexto das artes do espectáculo;
2. Instrumentos de Gestão Financeira;
3. Financiamento de Projectos Artísticos.

Objectivos

• Reconhecer a utilidade da gestão financeira, no contexto das artes do espectáculo;
• Utilizar os instrumentos da gestão financeira para analisar e procurar a viabilidade económico-financeira do projecto artístico;
• Conduzir correctamente pedidos de financiamento para projectos artísticos.

Biografia

Rita Guerreiro, licenciada em Gestão pela Universidade Católica Portuguesa. É gestora na Cassefaz e na Academia de Produtores Culturais. Foi Directora de Marketing/Financeira no Teatro Municipal Maria Matos e autora do capítulo de Gestão Financeira do Guia das Artes Visuais e do Espectáculo. É formadora do módulo de gestão financeira no CGPAE/ Forum Dança. Deu aulas na Escola Superior de Teatro e Cinema (Gestão Cultural), ETIC (Gestão e controle orçamental) e na Universidade Católica (Gestão de Empresas Media).

Conteúdos

1. O conceito de políticas culturais: significado, progressão, âmbito e escalas,
   em Portugal e no limite da Europa;
2. O papel do Estado: o Ministério da Cultura como entidade normativa e operadora
   das políticas culturais nacionais promovidas pelo governo central, e a iniciativa autónoma ou complementar do governo local;
3. Apoio às artes do espectáculo: medidas operacionalizadas pela Direção-Geral
   das Artes para a concretização das políticas públicas de cultura e instrumentos disponibilizados aos agentes culturais para financiamento da actividade profissional;
4. Enquadramentos e referências: directivas e iniciativas europeias e estudos e relatórios estatísticos nacionais.

Biografia

Paula Varanda, Lisboa, 1970. Investigadora doutorada em 2016 pela Middlesex University em Humanidades e Estudos Artísticos, concluiu o Master of Arts em coreografia e artes performativas na mesma universidade em 2003 e é licenciada pela Escola Superior de Dança do Instituto Politécnico de Lisboa.

Foi Directora-Geral da Direcção-Geral das Artes (Ministério da Cultura) em comissão de serviço (2016-2018) e assessora do Instituto das Artes (2004-2007). É autora dos livros Dançar é Crescer – Aldara Bizarro e o Projecto Respira (caleidoscópio 2012) e 70 Críticas de Dança (caleidoscópio 2020). Escreve sobre artes e cultura em várias publicações académicas e culturais e colaborou como crítica com o jornal Público de 2004 a 2016. Entre 1994 e 2005 profissionalizou-se na produção, gestão e coordenação de projectos artísticos nacionais e internacionais em entidades como Danças na Cidade/Alkantara, Re.Al – João Fiadeiro, Danse Bassin Mediterranée e Body-Data-Space. Em 2008, criou o Dansul – dança para a comunidade no sudeste alentejano – realizado em parceria com 4 autarquias, assumindo a direcção artística e de gestão até dezembro 2015.

Foi professora adjunta na Escola Superior de Dança (2010-2011) e convidada da Faculdade de Motricidade Humana, da ALSUD e do Forum Dança. Desde 2020 é professora auxiliar convidada no Mestrado em Artes Cénicas da Faculdade de Ciências Sociais e Humanas da Universidade Nova de Lisboa e desde 2019 investigadora integrada do Instituto de História da Arte da mesma faculdade. Interessam-lhe temáticas da inclusão, descentralização e desenvolvimento pela arte e pela educação; as práticas e teorias sobre corpo e novos média na sociedade contemporânea; e as políticas culturais para o acesso e sustentabilidade das artes.

Conteúdos

A formação pretende proporcionar motivação, conhecimento e a capacidade de detetar oportunidades de financiamento para projetos artísticos e culturais.

Num primeiro momento, pretende apresentar de forma sintética o panorama global dos programas comunitários que estão ao dispor de Portugal que potencialmente podem financiar projetos no domínio das artes e da cultura, fazendo a distinção entre o que são os programas em regime de subsidiariedade, isto é o que foi/é o Portugal 2020, o que será o novo Portugal 2030, que Programas Operacionais? como funciona a organização regional? Qual o papel das Comunidades Intermunicipais, como se articulam com o novo Plano de Recuperação e Resiliência e os programas em regime direto com a Comissão Europeia, cuja gestão é direta entre o beneficiário e a Comissão Europeia.

Num segundo momento, pretende-se dar os elementos específicos de como transformar uma ideia num projeto, os principais elementos a ter em conta que antecipam a formalização da candidatura: a lógica dos avisos de abertura de concurso, onde apresentar as candidaturas, como fazer os registos nas bases de dados europeias e todas as formalidades necessárias.

Por fim, dar a conhecer aos algumas dicas e truques práticos para encontrar os parceiros certos e inspiração em projetos “campeões” no setor das artes e cultura, na esperança de motivar e dar compreender como outras instituições acederam aos financiamentos comunitários, fomentado o diálogo e a troca de experiências.

Biografia

Francisco Cipriano, mestre em Geografia e Planeamento Regional e Local, Francisco Cipriano está atualmente no Serviço de Planeamento e Estratégia da Fundação Calouste Gulbenkian, onde é responsável por encontrar e acompanhar as oportunidades de cofinanciamento por fundos comunitários e outras iniciativas e programas europeus que possam enquadrar as várias atividades da fundação. A sua vida profissional está ligada à execução e acompanhamento, avaliação e controlo de instrumentos de apoio às políticas públicas, sobretudo no âmbito do desenvolvimento regional e da política de coesão. A sua experiência profissional tem vindo a criar sólidas ligações com a gestão e a implementação dos programas e projetos estruturais da União Europeia e dos Fundos Comunitários em Portugal, designadamente, nos setores artísticos e culturais. É ainda o impulsionador do projeto Laboratório de Candidaturas, Fundos Europeus para a Arte, Cultura e Criatividade, um espaço de confluência de ideias e pessoas em torno das principais iniciativas de financiamento europeu para o setor cultural. Para além disso é homem para muitas atividades. É coautor do primeiro guia nacional de surf, Portugal Surf Guide e host no documentário Movement, a journey into Creative Lives.

Conteúdos

1. Introdução ao léxico e enquadramento legal nas Artes do Espetáculo;
2. Direitos de Autor e Direitos Conexos – tipologia, jurisprudência e resultado da transposição de diretivas comunitárias
3. O Direito e a Prática
4. Obrigações legais da atividade profissional na Produção de Espetáculos
5. Noções Elementares do Direito do Trabalho e do contrato de prestação de serviços
6. Noção do processo de constituição de associações e sociedades comerciais
7. Caracterização do Estatuto do Trabalhador Independente

Objectivos

• Identificar e prevenir os processos legais inerentes à atividade de Produção e Promoção de Espetáculos;
• Ter conhecimento da legislação vigente no que concerne aos Direitos de Autor e Direitos Conexos
• Ter noção da relação contratual por conta de outrem e da prestação de serviços
• Apreender o processo de constituição de sociedades e associações

Biografias

Madalena Zenha, licenciada em Direito na Universidade de Coimbra. Desde 1989, exerce advocacia, prestando, entre outros, serviços na área da propriedade intelectual, direito civil e direito da família e sucessões, tendo participado em diversas conferências, workshops e congressos, enquanto participante e/ou conferencista. Tem os cursos de mediadora familiar e de formadora, tendo exercido a actividade de mediadora no Gabinete de Mediação Familiar de Lisboa.
A par da advocacia, de 1989 até 1997, exerceu atividade profissional na área de produção, agência e marketing de espetáculos musicais e representação de artistas.
Desde 2011, pertence ao Conselho Regional de Lisboa da Ordem dos Advogados.
Leciona o módulo de Direito na Cultura desde 2002, no Curso de Gestão/Produção das Artes de Espetáculo do Fórum Dança.

Anabela de Almeida Rodrigues, licenciada pela Faculdade de Direito de Lisboa em 1988. Estágio de advocacia realizado com o Dr. Edgar Valles. Inscrita na Ordem dos Advogados em 1991, pelo Conselho Distrital de Lisboa, iniciando prática forense nessa mesma data. Áreas de Prática: Direito das Obrigações; Direito Laboral; Direito de Família; Direito das Sucessões (inventários, habilitações e partilhas) e Direito Societário e Associativo.

Conteúdos

1. História fundamental do drama e dos Teatros;
2. A constituição técnica do Teatro;
3. Princípios fundamentais de Direção de Cena;
4. Iluminação e Som em Cena;
5. Cenografia e Figurinos;
6. Segurança em cena e na sala de espectáculos;
7. Projecto e materiais em Direção de Cena;
8. Especificidades técnicas de Dança, Teatro, Cinema e Música;
9. O papel do director de cena no processo criativo e em cena.

Objectivos

• Dominar o léxico fundamental das estruturas teatrais;
• Gerir e administrar as variáveis do palco: figurinos, camarins, cenografia e montagem, segurança; desenho de luz, som e vídeo;

Aptidões básicas e fundamentais na direção de palco: gestão da cena.

Biografia

Jonas Omberg é sueco e passou a sua infância na Suécia e a adolescência em Portugal. Entre 1991 e 1996 residiu nos EUA, onde tirou a licenciatura em Teatro, especialização em Representação e Direcção de Cena / Produção com estudos complementares em línguas estrangeiras, na Bennigton College em Vermont.

Entre 1997 e 2015 trabalhou como Director de Cena no Centro Cultural de Belém, tendo acumulado funções como Coordenador do Departamento da Direcção de Cena entre 2008 e 2015.

É desde 2014 Professor Assistente na Escola Superior de Teatro e Cinema onde lecciona Técnicas de Palco II no curso da licenciatura em Teatro: Ramo Produção. Desde 2014 também lecciona Direcção de Cena no Curso de Gestão/Produção das Artes de Espectáculo no Forum Dança. Desde 2016, trabalha como freelancer em direcção de cena e produção.

Conteúdos

1. A programação cultural enquanto campo específico de actuação;
2. Panorâmica sobre a programação cultural em Portugal em relação
   com o espaço europeu;
3. Elementos em jogo na constituição de uma programação: autoria,
   contexto e economia; programadores, criadores, públicos e críticos;
4. Práticas artísticas contemporâneas e sua relação com conceitos
   e estratégias de programação;
5. A relação com os públicos: relevância e participação, tempos e lugares;
6. Formatos, ritmos e escalas de programação: eventos, ciclos, festivais,
   programação regular, etc.;
7. Programação em rede e outras formas de cooperação:
   exemplos nacionais e internacionais;
8. Programação em perspectiva: análise comparada de estratégias.

Objectivos

• Compreensão do papel do programador no campo da produção cultural;
• Aquisição de ferramentas de análise crítica sobre a programação cultural
  e sua relação com as políticas culturais, a produção artística,
  a produção de conhecimento e as dinâmicas societais;
• Reconhecimento de estratégias contemporâneas na área da programação cultural,
  em particular no caso das artes do espectáculo;
• Desenvolvimento de sensibilidade e capacidade de diálogo
  com os vários intervenientes numa programação cultural;
• Desenvolvimento de competências básicas de concepção
  e planeamento de uma programação.

Biografia

Elisabete Paiva é licenciada em Produção Teatral e mestre em Estudos de Teatro. Trabalhou como produtora com Luís Castro, Teatro do Vestido e Pedro Sena Nunes.

Foi responsável pelo Serviço Educativo do Centro Cultural Vila Flor (2006 a 2014), na sequência de experiências marcantes de cruzamento entre criação, educação e território no CENTA – Centro de Estudos de Novas Tendências Artísticas (2003–2005).

Concebeu e programou o Serviço Educativo de Guimarães 2012 CEC e actualmente é Directora Artística do Festival Materiais Diversos.

Conteúdos

Estas aulas abordarão o tema do papel da arte na nossa sociedade e na educação, questionando a responsabilidade que os diferentes organismos gestores da cultura – teatros, museus, centros culturais, mas também programadores e artistas – põem no seu trabalho quotidiano.

Analisaremos, através de exemplos de programação artística, imagens de espectáculos, percursos artísticos de alguns teatros, festivais e companhias europeias, as diferentes motivações e objectivos que determinam a concepção da relação entre a arte e a sociedade, a arte e a educação e os seus diferentes públicos.

Objectivos

• Construir nos alunos a consciência da importância das artes
  na sociedade e a sua força potencial de transformação.
• Eleger a cultura como lugar de encontro entre a memória e o presente,
  para a construção de uma identidade cultural, voltada para um futuro.
• Descobrir como a cultura é uma necessidade imprescindível, sobre a qual se poderão construir melhores condições de convivência entre as pessoas.
• Reconhecer a procura de uma nova geografia poética que renova a vivacidade
  da relação entre os artistas e o público.
• Reconhecer a arte e a sociedade, numa dimensão de permanente
  mudança de territórios, espaços, pensamento e política.
• Novas estratégias de acção, novas ideologias, novos projectos culturais.
• Afirmar a força dos projectos artísticos como motor de desenvolvimento da vida social contemporânea nos vários âmbitos da sociedade e da educação.

Biografia

Giacomo Scalisi é italiano, vive em Portugal desde 1998. Desde então, desenvolve actividade como programador cultural e director artístico, realizando um trabalho de concepção de programas de espetáculos, exposições e festivais em torno das artes contemporâneas: Teatro, Dança, Música, Novo Circo, Artes Plásticas assim como projectos multi-disciplinares que envolvem também as novas tecnologias.

Entre 2000 e 2008, colabora com o Centro Cultural de Belém em Lisboa como director artístico em parceria com Madalena Victorino do projecto “Percursos, Festival Europeu de Artes do Espectáculo para um Público Jovem” e como programador para a área do Teatro e Novo Circo, (2004-2008).

Destaca entre outros projectos: O Festival “Todos, Caminhada de Culturas” Viajar pelo mundo sem sair de Lisboa, uma iniciativa da Câmara Municipal de Lisboa / Glem, Lisboa, Encruzilhada de Mundos e da Academia de Produtores Culturais e a Orquestra Todos, uma nova orquestra intercultural com os sons do mundo que a cultura portuguesa contém. Para as Festas da Cidade de Lisboa, dirige a partir de 2009, “O Teatro das Compras”, um projecto de espectáculos nas antigas lojas da baixa de Lisboa. Em 2011 e 2012 cria e dirige como director artístico a rede inter-municipal Movimenta-te Trajectórias de programação cultural em rede, um projecto com e sobre Faro, Loulé, S. Brás de Alportel. É consultor desde 2011 da Fundação de Serralves no Porto. Faz a consultoria artística com Madalena Victorino do Festival de Artes Contemporâneas VISEU A… em 2013 e 2014, uma iniciativa do Teatro Viriato.

Tem leccionado nos cursos de Gestão e Produção das Artes do Espectáculo organizados pelo Forum Dança, na Faculdade de Letras da Universidade de Lisboa – Estudos de Teatro – Programa de pós-graduação, na pós-graduação em Programação e Gestão Cultural da Universidade Lusófona, no curso de mestrado de Arte, Comunicação e Cultura da Universidade do Algarve e também noutras entidades culturais.

Conteúdos

1. Som, Vídeo e Iluminação aplicados à produção nas artes performativas:
   • Meios técnicos;
   • Segurança;
   • Léxico específico.

Objectivos

• Autonomizar o/a produtor/a nas questões técnicas básicas aplicadas às artes performativas;
• Conferir o domínio do léxico técnico de som, luz e vídeo.

Módulo de Som, com Rui Campos Leitão

(ver biografia no módulo de Música)

Módulo de Vídeo, com João Pinto

Biografia

João Pinto, participa em diversas Curtas e Média-metragens entre 1989 e 1994. Trabalha dois anos em publicidade. Co-fundador do “Sandro 2000”, projecto “YÔ-YÔ” – Espectáculo Multimédia – Corpo + Som + Imagem. Autor do vídeo original “Memórias de Pedra” para a Companhia Paulo Ribeiro. Realização de um vídeo promocional para os Gaiteiros de Lisboa em 1999. Autor do videoclip “Radio Song” para o Trio Carlos Barreto em 2002. Realização de um documentário para a Câmara Municipal da Amadora sobre o processo de realojamento da população de dois bairros degradados do concelho.

Colabora frequentemente com Aldara Bizarro, em ateliers e peças de dança e vídeo para crianças. Leccionou o workshop de corpo-movimento/vídeocorpo “Extending Perception” em colaboração com Howard Sonenklar no CEM (2001).

Responsável pelos ateliers de vídeo do Arte Jovem – Forum Dança, para crianças entre os 6 e 13 anos. Actualmente colabora no projecto “Nus Meios” (no âmbito do projecto (R)EXISTIR) de Filipa Francisco e Bruno Cochat, realizando o documentário sobre o processo de trabalho.

Módulo de Luz, com Carlos Ramos

Biografia

Carlos Ramos possui o curso de Luminotécnico, IFICT – 1991 e o curso de Cinema, Área de Produção, ESTC – 1995.

Como desenhador de luz destaca o seu trabalho com os criadores Clara Andermatt, Francisco Camacho, Tiago Guedes, Real Pelágio, Vítor Rua, Miguel Pereira, Aldara Bizarro, Filipa Francisco, Rui Chafes, Raiz di Polon, Jonas & Lander, Diana Niepce, Teresa Silva e Elizabete Francisca.

Integrou a direção técnica dos Festivais Mergulho no Futuro/EXPO 98, Ponti 2001/TNSJ, Festival Danças na Cidade/Alkantara (2002 a 2012), Artemrede (2005 a 2008), Festival Citemor desde (2008 a 2022), Festival Materiais Diversos (2013 a 2017), BoCA – Biennial of Contemporary Arts (2017 a 2021), Teatro Nacional S. Carlos (2017 a 2022).

Integrou a equipa técnica como director técnico e operador de luz de vários espetáculos em tour desde 1996, trabalhando entre outros com Vera Mantero, Francisco Camacho, Clara Andermatt, Real Pelágio, Rui Catalão, Teatro do Vestido e John Romão.

Integrou o corpo docente da Unidade Curricular de Produção da Escola Superior de Dança/Instituto Politécnico de Lisboa entre 2007 e 2012.

Atualmente é o diretor técnico da Culturgest.

As matérias apreendidas no curso ganham aqui um corpo de projecto colocando os alunos na posição de produtores executivos do mesmo.

Deve contemplar todas as vertentes de produção num projecto artístico e é acompanhado pela coordenadora pedagógica do Forum Dança (Dora Carvalho) e pelas formadoras de Gestão Financeira (Rita Guerreiro), Estratégias de Programação (Elisabete Paiva) e Comunicação Cultural (Rita Tomás).

Realiza-se uma sessão de Projecto a cada final dos seguintes módulos:

• Comunicação Cultural (28h), com Rita Tomás
• Gestão Financeira (28h), com Rita Guerreiro
• Estratégias de Programação (21h), com Elisabete Paiva