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1 Outubro, 2026

Sofia Dias & Vítor Roriz

1 de outubro 2026, às 18h30
Forum Dança • Espaço da Penha • Lisboa

Entrada livre.

Sofia Dias & Vítor Roriz

Dupla de coreógrafos a colaborar desde 2006 na pesquisa e concepção de vários trabalhos apresentados em mais de 17 países. Os seus trabalhos centram-se na articulação entre a voz, a palavra, o som e os objectos com o corpo, o gesto e o movimento. Em 2011 foi-lhes concedido o Prix Jardin d’Europe e o primeiro lugar no Aerowaves Spring Forward 2013 pelo espectáculo “Um gesto que não passa de uma ameaça”, um trabalho que questiona a hierarquia entre a palavra e o movimento.

Desde o início da sua colaboração tiveram o apoio de diversas estruturas, como a Bomba Suicida entre 2006-2009, foram Artistas Associados d’O Espaço do Tempo entre 2009-2016 e da Materiais Diversos entre 2012-2016. Têm contado com o apoio de algumas redes Europeias, tais como Looping, TRANSFER, Open Latitudes, Modul Dance, ONDA e Départs.

Enquanto dupla têm colaborado com diversos artistas tais como, Catarina Dias, artista visual e colaboradora de longa data, Lara Torres, Marco Martins, Clara Andermatt, Mark Tompkins e desde 2014 que apresentam “António e Cleópatra” de Tiago Rodrigues e “Sopro” (2017) do mesmo director. Leccionam regularmente aulas e workshops e têm vindo a organizar residências e encontros de reflexão entre artistas em diferentes contextos. Fizeram a curadoria da segunda edição do PACAP – Programa Avançado de Criação em Artes Performativas, Forum Dança (2018/2019).

sofiadiasvitorroriz.com

Fotografia: ©Joana Linda

3 Agosto, 2026

35.º CGPAE 26/27

Curso de Gestão/Produção das Artes do Espetáculo

De 14 de novembro de 2026 a 29 de julho de 2027

Em Regime Misto com Sessões Online e Presenciais
Formação mais acessível e com maior flexibilidade

Todas as quartas e quintas-feiras, das 18h30 às 21h30, em regime online (via Zoom).
Um sábado por módulo, das 10h30 às 14h00, em regime presencial, em Lisboa (Espaço da Penha).

Dando resposta aos múltiplos pedidos e no seguimento da nossa escuta ativa junto da comunidade interessada na formação, o CGPAE 2026 continua a decorrer em regime misto, combinando sessões online e presenciais. Esta alteração visa garantir maior acessibilidade e flexibilidade, permitindo que mais pessoas possam integrar o curso sem comprometer a qualidade e a dinâmica do ensino. Mantendo o rigor pedagógico e a forte componente prática que caracteriza o CGPAE, esta nova estrutura facilita a participação de profissionais de diferentes localizações, assegurando um acompanhamento contínuo ao longo do percurso formativo.

Informações

Selecione cada uma das secções abaixo para tomar conhecimento de todas as especificações do curso e dos processos de candidatura e seleção.

CGPAE, uma referência nacional

Com uma trajetória consolidada ao longo de mais de três décadas, o Curso de Gestão/Produção das Artes do Espetáculo do Forum Dança é uma referência incontornável na formação de profissionais das artes performativas em Portugal. Este curso é reconhecido pela sua abordagem integrada, combinando fundamentos práticos e teóricos numa formação que se adapta continuamente às exigências do setor cultural.

A 35.ª edição, que decorrerá de 14 de novembro de 2026 a 29 de julho de 2027, proporcionando às pessoas participantes um ambiente de aprendizagem dinâmico e conectado ao pulsar artístico do setor. O curso tem sido um motor de transformação profissional, com ex-participantes integrados em equipas de produção de espetáculos, direção de espaços culturais e desenvolvimento de projetos próprios, destacando-se como referência no setor cultural.

Com um corpo docente composto exclusivamente por profissionais em atividade no setor, esta formação assegura uma ligação direta ao mercado, refletindo a realidade atual das artes do espetáculo e das estruturas culturais.

Objetivos Gerais

Esta formação tem como principal missão profissionalizar agentes culturais, capacitando-os para:

Planear e implementar estratégias de gestão, produção, programação e financiamento em projetos culturais.
Aplicar conhecimentos diretamente no contexto das artes performativas, promovendo uma integração eficaz no mercado de trabalho.
Fomentar uma visão interdisciplinar que permita abordar os desafios culturais com inovação e criatividade.

Além disso, a estrutura pedagógica do curso enfatiza o desenvolvimento de competências práticas, proporcionando ferramentas para enfrentar os desafios específicos da área.

Coordenação Pedagógica

A coordenação pedagógica está a cargo de Dora Carvalho, assegurando o rigor e a qualidade que têm marcado todas as edições do CGPAE.

A quem se destina

Este curso é direcionado a agentes culturais que desejam aprofundar os seus conhecimentos e competências na área da Gestão/Produção das Artes do Espetáculo, por forma a desenvolver os seus projetos ou carreiras no setor. Além disso, destina-se igualmente a quem busca uma formação sólida e profissionalizante neste setor.

Corpo Docente / Estrutura Curricular

O corpo docente deste curso é composto por profissionais experientes, com uma ligação ativa ao setor cultural e às disciplinas que lecionam. Essa característica garante um ensino atualizado, com aulas sempre ligadas às tendências e práticas mais recentes, e que também promove uma ligação direta ao mercado de trabalho, facilitando o desenvolvimento de redes profissionais.

A estrutura curricular abrange:

- - - História da Dança com Ezequiel Santos
    - Música com Rui Campos Leitão
    - Teatro com Miguel Castro Caldas
    - Comunicação Cultural com Inês Lampreia
    - Gestão Financeira com Rita Guerreiro
    - Políticas Culturais com Paula Varanda
    - Financiamentos Europeus para a Cultura com Francisco Cipriano
    - Direito na Cultura com Madalena Zenha
    - Direção de Cena / Espaços Culturais com Patrícia Costa
    - Estratégias de Programação com Elisabete Paiva
    - Arte e Sociedade com Narcisa Costa
    - Som com Rui Campos Leitão
    - Luz com Carlos Ramos
    - Projeto com Rita Guerreiro, Inês Lampreia e Elisabete Paiva

Horários

Às quartas e quintas-feiras, em regime online, das 18h30 às 21h30.

Um sábado por módulo será em regime presencial (exceto os módulos de som e luz), 10h30 às 14h00.

Processo de Candidatura

As pessoas interessadas devem submeter o formulário disponível aqui, anexando o Curriculum Vitae atualizado, uma Carta de Motivação (máximo uma página A4) que detalhe as razões para frequentar o curso, e uma foto tipo passe.

- Data limite de Candidaturas até 25 de outubro de 2026
- Entrevistas a marcar, por zoom, entre os dias 27 e 29 de outubro de 2026
- Comunicação de resultados e formalização da inscrição na primeira semana de novembro

Pagamentos

Taxa de Inscrição: 150 €. Pagamento até ao dia 5 de novembro, após terminar o processo de seleção e ser aceite no curso.

Existem três modalidades de pagamento: mensal, trimestral e único.

Pagamento mensal: 200 € x 9 meses. A primeira mensalidade deve ser paga até dia 5 de novembro, as mensalidades restantes até ao dia 8 de cada mês.
Pagamento trimestral: 570€ x 3. Os três pagamentos deverão ocorrer nas seguintes datas: 1.º até dia 5 de novembro, 2.º até dia 8 de fevereiro e 3.º até dia 8 de maio. Desconto de 5% (já aplicado).
Pagamento único: 1620 € x 1. Desconto de 10% (já aplicado) no pagamento da totalidade do curso, pagamento até dia 5 de novembro.

Testemunhos de ex-participantes

"O CGPAE foi bom para me abrir a cabeça e as mãos. Foi um tempo intenso, que passou a correr, quer pelos encontros com os formadores, sempre generosos nos modos e rigorosos nos conteúdos, quer pelas conversas com os colegas, livres, versáteis e produtivas. É um lugar que convida, enriquece e lança."
- Sara AfonsoCGPAE 2021
"O CGPAE 2021 foi crucial para a aquisição de competências e ferramentas profissionalizantes. Destaco dois fatores muito positivos: o corpo docente ser composto por profissionais da cultura que atuam no terreno diariamente, e portanto, as aulas tendem a ser um espaço aberto ao diálogo e à discussão sobre o que se está a fazer agora; e os materiais disponibilizados são uma mais-valia para quem está a iniciar ou pretende melhorar o seu know-how em produção e gestão cultural. Conhecer colegas que também trabalham na área e que nos dão a conhecer outros saberes é simplesmente a cereja no topo do bolo. Saímos com uma rede de contactos bem alargada e diversificada."
- Nisa EliziárioCGPAE 2021, Artista
"A experiência que retiro deste curso é extremamente positiva. A abrangência e concisão dos módulos dados, aliada a uma componente prática e a um forte sentido de pragmatismo, permitiram-me adquirir ferramentas fundamentais para o trabalho de produção. Os professores mostraram-se sempre muito atentos e rigorosos, mas também generosos na forma como apoiaram as nossas dúvidas e inquietações. Houve espaço para o diálogo e para o debate, houve interessante discorrer de ideias e, sobretudo, de levantamento de questões atuais e pertinentes que atravessam o nosso tempo."
- João Albano FernandesCGPAE 2021, Produtor da Companhia Clara Andermatt
"Em 2018 inscrevi-me na 25ª Edição do CGPAE. Apesar de já trabalhar na área do teatro, não tinha formação na mesma e queria consolidar as minhas ferramentas de trabalho. Os professores prometiam (especialistas e profissionais nas diferentes áreas das artes do espectáculo) e os colegas completaram. Em conjunto, mantivemos um diálogo constante e uma troca de experiências enriquecedora. Olhámos e visitámos o lugar da cena, revivemos o movimento, o ritmo, a forma e o texto. Discutimos democraticamente as leis e as políticas das artes e não deixámos de definir estratégias para o futuro tendo em conta a forma de gerir, comunicar e apresentar as artes do espectáculo. Resumindo, ferramentas polidas e espírito enaltecido!"
- Daniela MatosCGPAE 2018, Produção Executiva n'A Tarumba/FIMFA Lx
"O CGPAE foi uma aposta... uma aposta ganha! Fui para este curso para abrir horizontes e encontrar novos caminhos. É intenso e exigente, mas que me proporcionou muito mais do que podia esperar. As mais valias deste curso? Conteúdos programáticos muito bem organizados, um corpo docente fantástico com um trabalho relevante e activo nas respectivas áreas e que nos estimulam a desenvolver projectos que possam colmatar lacunas na área artística... Aprendi muito e conheci pessoas fantásticas. Este curso foi muito importante para mim em diversos aspectos, mas profissionalmente falando foi essencial. A realidade é que o CGPAE e o Forum Dança foram determinantes para aquilo que sou hoje em dia. E estou muito grata por isso!"
- Daniela OliveiraCGPAE 2011, Assistente de Direcção de Cena na Fundação Calouste Gulbenkian/ Lisboa
"A minha passagem pelo Curso de Gestão e Produção das Artes do Espetáculo do Forum Dança foi extremamente benéfica no meu percurso como produtor cultural. Desde logo os módulos de história da dança, da música e do teatro foram essenciais para o meu conhecimento destas disciplinas e da sua evolução em Portugal. Os módulos mais ligados ao terreno como Práticas de Palco ou Espaços Culturais foram muitos úteis para descobrir outras profissões do sector e para conhecer por dentro locais emblemáticos da cidade de Lisboa no campo das artes. Também o módulo de Comunicação Cultural teve bastante impacto na minha atividade profissional e ainda hoje aplico os conteúdos ensinados. Por fim, sendo o Forum Dança um espaço aberto à comunidade das artes performativas, tive o privilégio de encontrar vários profissionais da área ao longo da formação. O CGPAE é sem dúvida a melhor formação da área e sem equivalente em Portugal."
- Jean-Christophe LarribeCGPAE 2010-2011, Produtor no Centre Recherche Théâtre Handicap (CRTH)/Paris
"A interdisciplinaridade bem como a vertente prática e profissionalizante do curso CGPAE no Forum Dança foram, sem dúvida, as razões que me encaminharam para cá. Os meus interesses fundamentais situam-se fora das artes performativas, mas ainda assim, sabia que iria encontrar as respostas reais/materiais às questões gerais da produção. Aprendi imenso sobre a construção de projetos oficiais e financiamentos — fundamental por estes dias que correm — com os professores, mas também com os restantes profissionais do Espaço da Penha que estão sempre com a "mão na massa”. As pessoas que trabalham aqui são muito generosas e atentas aos outros. Foi muito bom."
- Rita BernardesCGPAE 2015
"Candidatar-me ao Forum Dança não foi uma decisão fácil, mas era a mudança necessária para a concretização de um objectivo. Lembro-me do nervosismo da entrevista (ainda no Interpress), do fazer das malas, deixar a Invicta e mudar-me para a Capital, do primeiro dia de aulas, do cansaço ao final do dia que teimava em convencer-me a faltar, lembro-me dos dias em que esse cansaço venceu, mas sobretudo lembro-me dos primeiros olhares trocados e cumplicidades que se foram criando e ficando mais fortes durante esse tempo. Do Curso guardo as ferramentas, o conhecimento e rigor na aplicação do mesmo. Do Forum guardo a preocupação humana e sincera com cada um de nós. Mas mais do que isso, guardo os amigos e a descoberta de uma Lisboa que não estará nunca cartografada."
- João LemosCGPAE 2007/2008, Produtor/Centro Cultural de Belém
"Um curso bastante completo e adaptado à actualidade. Interessante, prático e bem estruturado! Para mim, o CGPAE foi uma óptima forma de consolidar conhecimentos em produção de espectáculos conjugada com a excelente oportunidade de interagir com profissionais do meio!"
- Rita Benito MonteiroCGPAE 2015, O Rumo do Fumo
"Fiz a edição do CGPAE de 2006. Foi um investimento de que não me arrependo, pois deu-me uma formação muito abrangente na área da gestão das artes do espetáculo. Os professores são especialistas nas suas áreas respetivas. Foi, aliás, deste curso que surgiu o projecto Coffeepaste, que se mantém até hoje e que em 2016 completa 10 anos. Hoje não hesitaria em fazer o curso, tal como na altura não hesitei."
- Pedro MendesCGPAE 2006, Cofundador e Gestor do Projecto Coffepaste
"Forum Dança? Podia falar sobre o muito que aprendi com cada um dos excelentes professores e profissionais de referência, sobre como foi determinante desde cedo para o meu percurso em vários níveis, sobre a forma como encaram a importância de uma formação bem estruturada e focada no conhecimento e respeito por todas as fases de criação e execução de um espectáculo. Ou sobre a inteira disponibilidade para ajudar ao longo do processo e colocação profissional. Mas isso soaria a conversa de panfleto. Prefiro falar sobre o nosso primeiro encontro, ainda no charmoso Bairro Alto, na generosidade das pessoas que foram e são muito mais do que incríveis professores, na correria do trabalho final que me fez conhecer e gostar tanto de Lisboa e nos amigos-até-hoje que fiz e com quem continuo a ter o prazer de trabalhar. Forum Dança? Sim, mas um daqueles mesmo a sério. Vão ver que daqui a uns anos estão a escrever um texto tão piroso, mas tão grato como o meu."
- Tânia AfonsoCGPAE 2007/2008, Directora de Cena/ Centro Cultural de Belém
"O CGPAE marcou a minha profissionalização, pois ali tive a certeza de que este era o caminho que queria dar à minha carreira. Comparativamente as ofertas do ensino superior que frequentei, foi o único curso que ultrapassou largamente a expectativa. O grupo de professores transporta profissionalismo e ética, conhecimento de causa e do real estado e necessidades das estruturas, havendo um grande entrosamento com o meio artístico. As bases e referências teóricas abordadas orientam e estimulam uma exploração autónoma dos assuntos que mais nos interessam. Ficamos com um conhecimento não só da melhor forma de fazer produção, como também saímos com uma agenda de contatos muito útil para a vida. Para mim, a mais valia do CGPAE é a participação de artistas, programadores e produtores, enquanto professores/convidados, e a disponibilidade para a partilha na sala de aula das situações reais das nossas estruturas. Essas análises em grupo eram tão ricas que são uma iluminação para os nossos próprios projectos. A cabeça sai da aula a mil, cheia de ideias e projectos, e vontade de melhorar e evoluir. Quase 10 anos depois continuo a consultar as minhas notas das aulas e os excelentes materiais que os professores nos davam!"
- Rita CondutoProdutora no Teatro Meridional
"Frequentar o CGPAE foi uma experiência muito enriquecedora, tanto ao nível da qualidade e diversidade dos conteúdos abordados, como pelas relações humanas estabelecidas com os diversos elementos do corpo docente. Sem dúvida, uma excelente porta de entrada no mundo da gestão e produção das artes, que pela sua proximidade e generosidade cativa do primeiro ao último momento!"
- Rita MachadoCGPAE 2016, Freelancer de Projectos Culturais e Educativos
"Dependendo do que estivermos dispostos a dar, o CGPAE pode deixar-nos onde estávamos, ou mudar-nos para sempre."
- Helena MarteleiraCGPAE 2016, Assessoria & Apoio à Comunicação da bienal BoCA
"O CGPAE vale sobretudo pelas pessoas. O corpo docente é não só tecnicamente profissional e conhecedor, como está activamente a desenvolver projectos no campo da Cultura no momento presente, e partilha as suas experiências, metodologias e abordagens, dúvidas e ideias. A equipa do Forum Dança tem um histórico consolidado e a capacidade de fazer evoluir o curso no sentido de suplantar as expectativas dos novos produtores e gestores que chegam. Com sorte, a turma que se forma é um estímulo para a aprendizagem e a concretização de outros projectos. No fim, é um ano da melhor formação integrada em gestão para as artes do espectáculo em Portugal. Sem academismos, egos fora da caixa ou falhas de processo. Simples. Quase um espectáculo em si mesmo."
- Bruno CastroCGPAE 2016, Movimento de Expressão Fotográfica
"Em 2003 alguém me disse que devia olhar com atenção para aquele anúncio de jornal de um curso que dava suporte ao que eu ia fazendo de forma semi-amadora, apalpando terreno a par-e-passo. E assim foi, fui o benjamim dessa edição do CGPAE e não só a minha vontade de enveredar por este caminho se consolidou como tive acesso às ferramentas que tanto almejava encontrar. Em termos profissionais tudo se delineou a partir daí e quando retornei a Portugal o trilho apontava claramente para este ramo de actividade. A história é isso mesmo e passados estes (treze) anos havia de novo uma necessidade de voltar a relembrar, perscrutar o que está diferente e como a evolução natural tinha feito as engrenagens do imprevisível rodar. Feita a extensa pesquisa sobre a oferta, ponderados os prós e contras, a decisão foi repetir o CGPAE; porquê: os formadores, a sua visão coesa e concisa, o seu know-how, a sua ética, a sua experiência e conhecimento do meio, os módulos, as temáticas, as problemáticas, tudo preencheu a (minha) checklist. Foi um enorme privilégio voltar a ver/ouvir aqueles com quem já não privava há muito tempo, bem como conhecer quem, entretanto, se juntou a esta equipa e novos conteúdos/abordagens consigo trouxe. O CGPAE dá-nos acesso a um 'momento diferente' com artistas e outros trabalhadores do espectáculo, onde a partilha de pontos de vista é a tónica dominante. Enfim, voltar ao Forum Dança correspondeu inteiramente ao que procurava e sinto-me pronto para continuar."
- Hugo BarrosCGPAE 2003 e CGPAE 2017 EIRA
"Decidi mergulhar nesta aventura um pouco às escuras, mas com a vontade de abraçar um novo desafio. No final, sinto-me extremamente grata à equipa do Forum Dança por me ter proporcionado esta experiência. Foi uma oportunidade incrível de contactar com profissionais da área, professores que ao longo do ano partilharam com enorme generosidade e talento a sua sabedoria e conhecimento, mostrando-se sempre disponíveis para nos dar apoio sempre que necessário."
- Vera NunesCGPAE 2017

Regulamento

A.) PARTICIPANTES

A.1.) Deveres

Frequentar com assiduidade e pontualidade a ação de formação. A presença e participação em todas as atividades do curso são consideradas condições necessárias para a prossecução de um elevado nível pedagógico;
Participantes que ultrapassem o limite de 20% das horas totais do curso não terão direito ao Certificado de Frequência e Aprovação final do curso. A chegada às aulas 15 minutos depois do seu início corresponde a 1 hora de falta;
Utilizar com cuidado e zelar pela conservação dos equipamentos e demais bens que lhe sejam confiados para efeitos de formação;
Cumprir com os pagamentos;
O atraso no pagamento da mensalidade implicará o pagamento de uma multa de 10€ por cada mês de atraso.

A.2.) Direitos

Receber a formação em conformidade com os programas estabelecidos;
Obter gratuitamente, no final da ação, o Certificado comprovativo da frequência e aproveitamento (caso estes se verifiquem) no curso;
Beneficiar de um seguro de acidentes pessoais no decurso da formação;
Receber informação e orientação profissional no decurso da ação de formação;
Receber informação mensal sobre os horários do curso;
Reclamar junto da coordenação da formação, em horário a acordar, e ainda, se a natureza da queixa o justificar, por escrito junto da entidade de formação, a qual responderá apropriadamente e do mesmo modo.

B.) ENTIDADE FORMADORA

B.1.) Deveres

Respeitar e fazer respeitar as condições de higiene e segurança do local em que decorre a formação;
Não exigir tarefas não compreendidas nos objetivos e âmbito do curso;
Atuar no respeito das normas nacionais de proteção de dados pessoais, nomeadamente mantendo para uso estrito da ação de formação os dados constantes da ficha de formando e dos curricula vitae.

B.2.) Direitos

O cumprimento do regulamento e normas de funcionamento por parte das pessoas participantes;
O tratamento com correção de representantes do Forum Dança e colaboradores;
Efetuar as alterações consideradas necessárias aos horários pré-estabelecidos, comunicando-os atempadamente.

C.) AVALIAÇÃO

C.1.) Avaliação qualitativa

Participação e aproveitamento da formação;
Assiduidade e pontualidade.

C.2.) Avaliação quantitativa

No final dos seminários com duração superior a 10 horas;
No projecto final;
No final do curso;
Será utilizada a escala numérica de 0 a 20;
A avaliação só será feita em caso de presença em pelo menos 70% das horas totais de cada seminário.

C.3.) Nota final

Na atribuição da nota final, a valorização de cada seminário será feita de forma ponderada, sendo-lhe atribuída uma nota quantitativa;
A nota final será expressa na escala de 0 a 20. Esta nota será o resultado da ponderação das avaliações dos seminários e da avaliação do projeto final.
A nota final obedecerá à seguinte fórmula:

[ ( Teatro+ Música+ Dança + Comunicação x 3 + Gestão Financeira x 3 + Direção de Cena x 3 + Políticas Culturais + Direito na Cultura + Estratégias de Programação ) / 15 ] x 0,7 + Projeto x 0,3

C.4.) Certificado de formação

No final da ação de formação será entregue um certificado comprovativo da frequência e do aproveitamento obtido.

D.) DURAÇÃO DA FORMAÇÃO

O período curricular do curso decorrerá de 14 de novembro de 2026 a 29 de julho de 2027, num total de 270 horas de formação.

O horário de frequência será: às quartas e quintas-feiras, das 18h30 às 21h30, em regime online (via Zoom); um sábado por módulo das 10h30 às 14h00 (presencial); duas visitas de estudo num dia útil em horário pós-laboral (presencial).

O plano anual do curso será entregue no início do mesmo (podendo ocorrer algumas alterações pontuais que serão atempadamente comunicadas).

Formulário

Todos os campos são de preenchimento obrigatório. Deve enviar o CV e a Carta de Motivação digitalizados e em formato “.jpeg” ou “.pdf”. A foto tipo passe deve ser enviada em formato “.jpeg” – os ficheiros não podem ultrapassar 1 MB por cada um deles.

Programa completo

Selecione cada uma das secções abaixo para tomar conhecimento de todas as especificações do curso e dos processos de candidatura e seleção.

História da Dança

Conteúdos

Panorama da História da Dança Teatral;
A Nova Dança Portuguesa;
Crítica e Estética na Dança Contemporânea.

Objetivos

Fixar os eixos históricos da Dança Teatral;
Conferir léxico de Dança Contemporânea a estudantes;
Utilização da linguagem e ferramentas críticas no âmbito da produção em Dança

Biografia

Ezequiel Santos (Coimbra, 1967). Doutorado em Arte Contemporânea (Colégio das Artes da Universidade de Coimbra), Psicólogo/Psicoterapeuta. Professor Auxiliar convidado da FMH/Universidade de Lisboa, Professor Adjunto convidado na ESHTE, na área de ciências sociais e Professor convidado na Escola Superior de Dança/IPL, em 2005/2006. Actualmente é investigador nos projectos Premiere – Performing arts in a new era: AI and XR tools for better understanding, preservation, enjoyment and accessibility https://premiere-project.eu (HORIZON-CL2-2021-HERITAGE-01), e Observatório Ibero-Americano Políticas para a Dança (OIAPODAN) como investigador colaborador do INET-md (FMH).

É diretor e curador na Forum Dança, associação cultural da qual faz parte desde 1996, tendo participado em eventos e intercâmbios internacionais com mais de uma centena de parceiros. Leciona regularmente seminários em História e Teoria da Dança. Foi programador convidado pela EIRA para Cumplicidades – Festival Internacional de Dança de Lisboa (2015 e 2016). Estudou fotografia, teatro, e dança em Lisboa e Nova Iorque. Concluiu o II Curso de Monitores de Dança da Forum Dança em 1993. Participou em criações de Madalena Victorino, Rui Nunes e Francisco Camacho entre 1990-1996 apresentando-se em território europeu. Enquanto conferencista ou moderador tem participado em eventos na Alemanha, Áustria, Brasil, Bulgária, Espanha, Japão, Países Baixos, Portugal, Reino Unido, Roménia e Turquia.

Música

Rui Campos Leitão

Conteúdos

Aquisição de um vocabulário terminológico específico à música;
Desenvolvimento das capacidades auditivas referentes à deteção, definição e caracterização das principais componentes constituintes do fenómeno musical;
Desenvolvimento da acuidade da escuta;
Desenvolvimento da capacidade de distinguir estilos musicais;
Familiarização com situações específicas à prática musical;
Reconhecimento de relações entre a música e as outras artes do espetáculo;
Desenvolvimento da capacidade de dissertação sobre o fenómeno musical.

Objetivos

Saber detetar e caracterizar as principais componentes técnicas constituintes de uma música;
Conhecer e aplicar o léxico de termos musicais elementar;
Distinguir e caracterizar alguns dos principais estilos musicais do passado e dos nossos dias;
Saber construir um discurso de carácter genérico sobre música.

Biografia

Licenciado em Ciências Musicais, obteve em 2006 o grau de Mestre na Faculdade de Ciências Sociais e Humanas com a dissertação intitulada «A Paisagem Musical e Sonora da Cidade de Lisboa no Ano de 1890». Em 2024 obteve o Diploma de Estudos Avançados em Estudos Artísticos – Arte e Mediações na mesma faculdade. Prossegue, entretanto, a elaboração da sequente tese de doutoramento com base no projeto de investigação intitulado «A Explicitação Conceitual do Exercício da Escuta Musical». Entre 1996 e 2002 desenvolveu a atividade artística de compositor e ator em espetáculos de Dança e Teatro, assim como em Instalações Artísticas. Enquanto docente, foi professor na Academia Nacional Superior de Orquestra, entre 2000 e 2010, e na Escola Profissional Metropolitana, entre 2008 e 2010. É Assistente Convidado na Licenciatura em Dança do Departamento de Educação, Ciências Sociais e Humanidades da Faculdade de Motricidade Humana, onde leciona o Módulo de Movimento e Expressão Musical no âmbito da disciplina Dança e Práticas Expressivas. Desde 1996, é formador no curso de Gestão e Produção das Artes do Espectáculo promovido pela associação cultural Forum Dança. Desde 2007, exerce a profissão de Mediador Cultural / Musicólogo na Associação Música, Educação e Cultura – O Sentido dos Sons (Metropolitana), onde realiza conteúdos destinados ao funcionamento e à divulgação pública da atividade da Orquestra Metropolitana de Lisboa e dos outros agrupamentos musicais tutelados por esta instituição. Também aí, desenvolve projetos diversos, tais como concertos comentados, ações de formação junto dos Centros de Formação do IEFP (desde 2014), a autoria do livro «Metropolitana 30 Anos – Memória e Futuro» (2023) e a coordenação do projeto MUSICAR – Prática Musical para Pessoas com Cegueira ou Baixa Visão e Pessoas Surdas (2023), com apoio da MusicAIRE, ação cofinanciada pela União Europeia para apoio à Indústria da Música.

Teatro

Miguel Castro Caldas

Conteúdos

Com este curso pretende-se apresentar e discutir alguns modos variados de fazer e ver teatro – hoje e ao longo dos tempos.

Como esses modos podem ser parecidos com aqueles a que se opõem e como também os da mesma família podem estar afinal nos antípodas uns dos outros.

Algumas linhas de força:

O teatro e o antiteatro; o texto dramático e o espetáculo; o teatro e a performance; artes plásticas e artes do espetáculo; encenação e dispositivo; ser personagem ou ser o que se é; ver ou estar dentro.

Biografia

Miguel Castro Caldas escreve peças de teatro que antigamente entregava a um encenador, mas agora prefere ser ele a colocá-las em cena com a ajuda de amigos. Fez dramaturgia de espetáculos, traduz ocasionalmente e dá aulas na licenciatura de Teatro na ESAD e na Pós-Graduação em Artes da Escrita na FCSH. Tem o título de Especialista em Artes do Espetáculo e está a preparar um doutoramento no programa em Teoria da Literatura na FLUL. Alguns dos seus textos estão publicados na coleção Livrinhos de Teatro dos Artistas Unidos, na editora Ambar, na Douda Correria, na Mariposa Azual, na Culturgest, na Primeiros Sintomas, e nas revistas Artistas Unidos, Fatal e Blimunda.

Recentemente publicou a Antologia Se eu vivesse tu morrias e outros textos, publicado na Imprensa Universitária de Coimbra e Enseada, na Douda Correria.

Ganhou uma Menção Honrosa em 2005 pela atividade de dramaturgo pela Associação de Críticos de Teatro e o prémio SPA 2017 para melhor texto português representado com Se Eu Vivesse Tu Morrias. Alguns dos seus textos estão traduzidos em espanhol, francês, húngaro, inglês e italiano.

Comunicação Cultural

Inês Lampreia

Conteúdos

A importância da comunicação e da estratégia de comunicação aplicada às atividades culturais;
Caracterização da identidade do evento, avaliação de público-alvo e seus comportamentos, posicionamento artístico e objetivos do projeto artístico a comunicar, benchmarking;
Ferramentas de mapeamento e planeamento estratégico para a comunicação;
Identidade visual e linguagem na estratégia de comunicação;
Partilha de casos práticos e aplicação de ferramentas de plano estratégico de comunicação;
Ferramentas para desenvolvimento de campanhas de comunicação em assessoria de imprensa, digital & redes, indoor & outdoor, ações de visibilidade.

Objectivos

Compreender o lugar da comunicação no sector cultural e as suas relações com diferentes projetos de diferentes escalas – institucionais e independentes;
Obter competências de planeamento e de estratégia em comunicação;
Desenvolver mecanismos de análise de projetos artísticos, segmentação de públicos e de meios para a execução de um plano estratégico de comunicação;
Conhecer instrumentos e ferramentas para desenvolver a comunicação de um projeto cultural.

Biografia

Inês Lampreia é mestre em Comunicação, Cultura e Tecnologias da Informação pelo ISCTE – Instituto Universitário de Lisboa e licenciada em Jornalismo. É atualmente coordenadora de comunicação do Teatro Praga, colaboradora em comunicação editorial na Culturgest e foi diretora de comunicação da Materiais Diversos entre 2019 e 2025. Coordenou ainda a comunicação do projeto de artes participativas Dentes de Leão (2022–2024, EEGrants), da Agência 25 (2019–2021), da estrutura de artes performativas Alkantara (2016–2019) e do programa Hospitalidade da Santa Casa da Misericórdia de Lisboa (2018). Dirigiu a comunicação da exposição Festa. Fúria. Femina. – Obras da Coleção FLAD (2020) e do Ciclo de Cinema Outsiders (2021).
Tem desenvolvido consultora de comunicação para diversas entidades e artistas, incluindo a Companhia Maior, as coreógrafas Cláudia Dias (A Coleção do Meu Pai) e Sofia Silva, a produtora de exposições Terra Esplêndida e o Centro Cultural de Cascais/Fundação D. Luís.
É professora assistente convidada na Escola Superior de Dança (IPL), desde 2022, onde leciona a unidade curricular de Comunicação em Artes, e formadora na Academia Gerador e no curso de Produção de Espetáculos da World Academy. Tem também desenvolvido formação na área da comunicação cultural em diferentes municípios e estruturas institucionais e independentes em todo o país.
Enquanto escritora, foi distinguida pela Casa do Alentejo (Prémio de Conto, 2011) e tem sido publicada pela Editora Urutau, Edições Pasárgada, Centro de Estudos Mário Cláudio, Kultivera Editions (Suécia) e Universidade de Uppsala (Suécia) e em revistas internacionais. Escreve as Crónicas da Pós-normalidade, para a plataforma de divulgação cultural Coffeepaste.
Na área da produção cultural, foi diretora executiva do MONSTRA – Festival de Animação de Lisboa (2009–2011), coordenadora executiva da APORDOC – Associação pelo Documentário (2013), produtora no Festival Alkantara (2012–2016) e no CITEN – Centro de Imagem e Técnicas Narrativas da Fundação Calouste Gulbenkian (2003–2004).
Com um percurso também ligado ao jornalismo, foi editora da revista VEGA (2004–2008), jornalista da Lanetro.pt (2000–2002) e colaborou com a National Geographic, Diário de Notícias e Fotomagazine.

Gestão Financeira

Rita Guerreiro

Conteúdos

A Gestão Financeira no contexto das artes do espetáculo;
Instrumentos de Gestão Financeira;
Financiamento de Projetos Artísticos.

Objetivos

Reconhecer a utilidade da gestão financeira, no contexto das artes do espetáculo;
Utilizar os instrumentos da gestão financeira para analisar e procurar a viabilidade económico-financeira do projeto artístico;
Conduzir corretamente pedidos de financiamento para projetos artísticos.

Biografia

Rita Guerreiro, licenciada em Gestão pela Universidade Católica Portuguesa. É gestora na Cassefaz e na Academia de Produtores Culturais.

Foi Diretora de Marketing/Financeira no Teatro Municipal Maria Matos e autora do capítulo de Gestão Financeira do Guia das Artes Visuais e do Espetáculo.

É formadora do módulo de Gestão Financeira no CGPAE/ Forum Dança. Deu aulas na Escola Superior de Teatro e Cinema (Gestão Cultural), ETIC (Gestão e controle orçamental) e na Universidade Católica (Gestão de Empresas Media).

Políticas Culturais

Paula Varanda

Conteúdos

O conceito de políticas culturais: significado, progressão, âmbito e escalas, em Portugal e no limite da Europa;
O papel do Estado: o Ministério da Cultura como entidade normativa e operadora das políticas culturais nacionais promovidas pelo governo central, e a iniciativa autónoma ou complementar do governo local;
Apoio às artes do espetáculo: medidas operacionalizadas pela Direção-Geral das Artes para a concretização das políticas públicas de cultura e instrumentos disponibilizados aos agentes culturais para financiamento da atividade profissional;
Enquadramentos e referências: diretivas e iniciativas europeias e estudos e relatórios estatísticos nacionais.

Biografia

Paula Varanda, Lisboa, 1970. Investigadora doutorada em 2016 pela Middlesex University em Humanidades e Estudos Artísticos, concluiu o Master of Arts em Coreografia e Artes Performativas na mesma universidade em 2003 e é licenciada pela Escola Superior de Dança do Instituto Politécnico de Lisboa.

Foi Diretora-Geral da Direção-Geral das Artes (Ministério da Cultura) em comissão de serviço (2016-2018) e assessora do Instituto das Artes (2004-2007).

É autora dos livros Dançar é Crescer – Aldara Bizarro e o Projecto Respira (caleidoscópio 2012) e 70 Críticas de Dança (caleidoscópio 2020).

Escreve sobre artes e cultura em várias publicações académicas e culturais e colaborou como crítica com o jornal Público de 2004 a 2016.

Entre 1994 e 2005 profissionalizou-se na produção, gestão e coordenação de projetos artísticos nacionais e internacionais em entidades como Danças na Cidade/Alkantara, Re.Al – João Fiadeiro, Danse Bassin Mediterranée e Body-Data-Space.

Em 2008, criou o Dansul – dança para a comunidade no sudeste alentejano – realizado em parceria com 4 autarquias, assumindo a direção artística e de gestão até dezembro 2015.

Foi professora adjunta na Escola Superior de Dança (2010-2011) e convidada da Faculdade de Motricidade Humana, da ALSUD e do Forum Dança.

Desde 2020 é professora auxiliar convidada no Mestrado em Artes Cénicas da Faculdade de Ciências Sociais e Humanas da Universidade Nova de Lisboa e desde 2019 investigadora integrada do Instituto de História da Arte da mesma faculdade.

Interessam-lhe temáticas da inclusão, descentralização e desenvolvimento pela arte e pela educação; as práticas e teorias sobre corpo e novos média na sociedade contemporânea; e as políticas culturais para o acesso e sustentabilidade das artes.

Financiamento Europeu para a Cultura

Francisco Cipriano

Conteúdos

A formação pretende proporcionar motivação, conhecimento e a capacidade de detectar oportunidades de financiamento para projetos artísticos e culturais.

Num primeiro momento, pretende apresentar de forma sintética o panorama global dos programas comunitários que estão ao dispor de Portugal e que potencialmente podem financiar projetos no domínio das artes e da cultura, fazendo a distinção entre o que são os programas em regime de subsidiariedade – isto é: o que foi/é o Portugal 2020; o que será o novo Portugal 2030; que Programas Operacionais? Como funciona a organização regional? Qual o papel das Comunidades Intermunicipais, como se articulam com o novo Plano de Recuperação e Resiliência? – e os programas em regime direto com a Comissão Europeia, cuja gestão é direta entre o beneficiário e a Comissão Europeia.

Num segundo momento, pretende-se dar os elementos específicos de como transformar uma ideia num projeto, os principais elementos a ter em conta que antecipam a formalização da candidatura: a lógica dos avisos de abertura de concurso, onde apresentar as candidaturas, como fazer os registos nas bases de dados europeias e todas as formalidades necessárias.

Por fim, dar a conhecer algumas dicas e truques práticos para encontrar as parcerias certas e inspiração em projetos “campeões” no setor das artes e cultura, na esperança de motivar e dar a compreender como outras instituições acederam aos financiamentos comunitários, fomentando o diálogo e a troca de experiências.

Biografia

Francisco Cipriano, mestre em Geografia e Planeamento Regional e Local, está atualmente no Serviço de Planeamento e Estratégia da Fundação Calouste Gulbenkian, onde é responsável por encontrar e acompanhar as oportunidades de cofinanciamento por fundos comunitários e outras iniciativas e programas europeus que possam enquadrar as várias atividades da fundação.

A sua vida profissional está ligada à execução e acompanhamento, avaliação e controlo de instrumentos de apoio às políticas públicas, sobretudo no âmbito do desenvolvimento regional e da política de coesão.

A sua experiência profissional tem vindo a criar sólidas ligações com a gestão e a implementação dos programas e projetos estruturais da União Europeia e dos Fundos Comunitários em Portugal, designadamente, nos setores artísticos e culturais.

É ainda o impulsionador do projecto Laboratório de Candidaturas, Fundos Europeus para a Arte, Cultura e Criatividade, um espaço de confluência de ideias e pessoas em torno das principais iniciativas de financiamento europeu para o setor cultural.

Para além disso é homem para muitas atividades. É coautor do primeiro guia nacional de surf, Portugal Surf Guide e host no documentário Movement, a journey into Creative Lives.

Direito na Cultura

Madalena Zenha

Anabela de Almeida Rodrigues

Conteúdos

Introdução ao léxico e enquadramento legal nas Artes do Espetáculo;
Direitos de Autor e Direitos Conexos – tipologia, jurisprudência e resultado da transposição de diretivas comunitárias;
O Direito e a Prática;
Obrigações legais da atividade profissional na Produção de Espetáculos;
Noções Elementares do Direito do Trabalho e do contrato de prestação de serviços;
Noção do processo de constituição de associações e sociedades comerciais;
Caracterização do Estatuto do Trabalhador Independente.

Objetivos

Identificar e prevenir os processos legais inerentes à atividade de Produção e Promoção de Espetáculos;
Ter conhecimento da legislação vigente no que concerne aos Direitos de Autor e Direitos Conexos;
Ter noção da relação contratual por conta de outrem e da prestação de serviços;
Apreender o processo de constituição de sociedades e associações.

Biografias

Madalena Zenha, licenciada em Direito na Universidade de Coimbra. Desde 1989, exerce advocacia, prestando, entre outros, serviços na área da propriedade intelectual, direito civil e direito da família e sucessões, tendo participado em diversas conferências, workshops e congressos, enquanto participante e/ou conferencista.

Tem os cursos de mediadora familiar e de formadora, tendo exercido a atividade de mediadora no Gabinete de Mediação Familiar de Lisboa.
A par da advocacia, de 1989 até 1997, exerceu atividade profissional na área de produção, agência e marketing de espetáculos musicais e representação de artistas.
Desde 2011, pertence ao Conselho Regional de Lisboa da Ordem dos Advogados.
Leciona o módulo de Direito na Cultura desde 2002, no Curso de Gestão/Produção das Artes de Espetáculo do Forum Dança.

Anabela de Almeida Rodrigues, licenciada pela Faculdade de Direito de Lisboa em 1988. Estágio de advocacia realizado com o Dr. Edgar Valles.

Inscrita na Ordem dos Advogados em 1991, pelo Conselho Distrital de Lisboa, iniciando prática forense nessa mesma data.

Áreas de Prática: Direito das Obrigações; Direito Laboral; Direito de Família; Direito das Sucessões (inventários, habilitações e partilhas) e Direito Societário e Associativo.

Direção de Cena / Espaços Culturais

Patrícia Costa

Objetivos gerais

Conhecer as principais funções da Direção de Cena.
Desenvolver noções teóricas e práticas sobre as diferentes áreas de trabalho da Direção de Cena
Adquirir noções teórico-práticas sobre o trabalho da direção de cena

Conteúdos programáticos

Breve apontamento sobre a história da arquitetura e sua influência na ação teatral
Tipologias de salas e Infraestruturas: implantação de palcos e outros tipos de estruturas
Equipamentos e Acessórios
Segurança e Acessibilidades
Organização de estruturas – Noções básicas sobre Direção Técnica | Direção de Produção | Direção de cena
Noções básicas sobre Iluminação Cénica, sonoplastia e vídeo e a sua implicação direta no trabalho na Direção de Cena
Nomenclatura sobre os diversos tipos de equipamentos utilizados nas diferentes áreas (teatro/dança/música/outros)
Contra-regra, cenografia e figurinos
Análise de rider técnico
Construção de um guião de direção de cena

Biografia

Licenciada em Dança pela FMH – UTL, Pós-graduada em Dança na Comunidade pela FMH – UL e Mestre em Estudos do Teatro pela FLUL.

Iniciou a sua atividade profissional na área de produção em 1999, com o espetáculo “1/2h do Almoço”. Entre fevereiro de 2000 e julho de 2001 fez um estágio curricular seguido de um estágio profissional em Direção de cena no CCB. De julho de 2001 a maio de 2002 integra a equipa de direção de cena do CCB, como assistente de direção de cena. De junho de 2002 a abril de 2003 fez produção executiva e direção de cena na Cooperativa Teatro da Garagem. De abril a dezembro de 2003 fez produção executiva no Espaço do Tempo – Montemoro-Novo. Em outubro de 2003 funda A Menina dos meus olhos, associação cultural com a Marina Nabais onde faz parte da direção, com a responsabilidade direção de produção e de gestão financeira, até dezembro de 2005. De abril de 2004 a janeiro de 2007 fez parte da equipa de Direção de Cena do Teatro Camões/CNB.

Ao longo destes 23 anos colaborou pontualmente em várias estruturas, tanto na área de direção de cena com na área de produção, a destacar: Truta, associação cultural; Pato Profissional e Mala Voadora. Em agosto de 2015 funda HomemBala, associação cultural com Tónan Quito, fazendo parte da direção executando a gestão financeira e a direção de produção até dezembro de 2017.

Desde 2006 trabalha regularmente como formadora, dando vários workshops a profissionais do espetáculo e em várias escolas da área do espetáculo. A destacar o módulo de direção técnica e de cena no curso de técnicos de espetáculos na Restart – Instituto de Criatividade Artes e Novas Tecnologias em 2013 e Produção de espetáculos na Escola Superior de dança no ano curricular 2018/2019 e 2019/2020.

Desempenha a função de diretora de cena no CCB desde janeiro de 2007.

Estratégias de Programação

Conteúdos

A programação enquanto campo específico de atuação: origens e desenvolvimentos.
Programação e curadoria: aproximações e distinções.
Esferas em jogo numa programação: autoria(s), contexto, economia e política(s).
Formatos, ritmos e escalas de programação: dramaturgias do espaço e do tempo.
Influências entre conceitos e práticas artísticas e estratégias de programação.
Discursos e práticas de programação em relação com questões que atravessam a contemporaneidade: identidades, memória(s) e imaginação; decolonização; acesso e participação; sustentabilidade.
Análise e discussão de casos.

Objetivos

Compreender o papel da programação nos campos das artes e da cultura.
Compreender e refletir sobre as relações entre programação e políticas culturais, práticas artísticas, produção de conhecimento e dinâmicas socioculturais.
Reconhecer e analisar estratégias de programação e curadoria nas artes performativas e as suas relações com conceitos e práticas artísticas.
Reconhecer e refletir sobre como diferentes programações se posicionam face a questões que atravessam a contemporaneidade: identidades, memória(s) e imaginação; decolonização; acesso e participação; sustentabilidade.
Desenvolver uma postura consciente e ética no diálogo com diferentes intervenientes numa programação.
Identificar casos relevantes, a nível nacional e internacional.
Desenvolver competências básicas de conceção e desenho de uma programação.

Biografia

Elisabete Paiva é programadora, curadora e investigadora em artes performativas. Atualmente, é doutoranda em Estudos Artísticos — Arte e Mediações na Nova FCSH e investiga sobre a dimensão política da programação cultural.

Colabora como professora e formadora com o Forum Dança, a Escola Superior de Teatro e Cinema, a Acesso Cultura, o Plano Nacional das Artes e o TNDM II.

Foi Diretora Artística da Materiais Diversos, onde aprofundou práticas colaborativas, do Festival Materiais Diversos ao apoio à criação artística, do desenvolvimento de públicos à programação em rede. Foi curadora do Fórum Atos 2025 (Programa ATOS/TNDM II). Coordenou e programou o Serviço Educativo d’A Oficina, onde criou o jornal LURA, concebeu e dirigiu o Serviço Educativo de Guimarães 2012 Capital Europeia da Cultura e colaborou com o CENTA.

É mestre em Estudos de Teatro pela Faculdade de Letras da Universidade do Porto e licenciada em Teatro/Produção pela Escola Superior de Teatro e Cinema de Lisboa.

Arte e Sociedade

Narcisa Costa

Objetivos

Refletir sobre o poder da arte como um agente de transformação social, com foco na sua capacidade de contribuir para sociedades mais justas;
Compreender conceitos-chave como: acesso à cultura, democratização da arte, democracia cultural, arte participativa e arte comunitária, explorando as suas implicações para a construção de uma cultura mais equitativa;
Analisar exemplos práticos de projetos de arte participativa, discutindo sobre como essas iniciativas podem promover a transformação social e o envolvimento das comunidades na criação artística e na prática cultural;
Discutir as implicações das práticas de participação para as formas de produção artística, investigando como elas alteram a relação entre artistas, instituições e públicos;
Refletir sobre o impacto e as mudanças que as práticas participativas podem provocar nas entidades artísticas e nas instituições culturais, influenciado o seu posicionamento social;
Desenvolver competências práticas para a criação e produção de projetos culturais participativos ou liderados pelas comunidades.

Biografia

Narcisa Costa é gestora de projetos de Arte Participativa e Acesso à Cultura, na Fundação Calouste Gulbenkian.
Formada pela Escola Superior de Dança (Lisboa) e pela Hoogeschool voor the Kunsten/ European Dance Development Center (Arnhem), desenvolveu grande parte da sua atividade profissional como produtora e gestora de projetos artísticos e culturais, tais como: Festival Danças na Cidade, Companhia Re.Al/João Fiadeiro, Espaço do Tempo, Companhia Clara Andermatt, Alkantara Festival, Arena Ensemble, Festival de Música de Setúbal, entre outros. Nos últimos anos, o seu interesse orientou-se para a promoção da participação e do acesso às artes e cultura, fundamentais para a criação de sociedades mais justas.

Luz e Som (2 módulos)

Carlos Ramos

Rui Campos Leitão

Conteúdos

Introdução às questões técnicas de Luz e Som, aplicadas à produção nas artes performativas:
- Meios técnicos;
- Léxico específico.

Objetivos

Conferir o domínio básico do léxico técnico de luz e som aplicados às artes performativas.

Módulo de Luz com Carlos Ramos

Biografia

Carlos Ramos possui o curso de Luminotécnico, IFICT – 1991 e o curso de Cinema, Área de Produção, ESTC – 1995.

Como desenhador de luz destaca o seu trabalho com os criadores Clara Andermatt, Francisco Camacho, Tiago Guedes, Real Pelágio, Vítor Rua, Miguel Pereira, Aldara Bizarro, Filipa Francisco, Rui Chafes, Raiz di Polon, Jonas & Lander, Diana Niepce, Teresa Silva e Elizabete Francisca.

Integrou a direção técnica dos Festivais Mergulho no Futuro/EXPO 98, Ponti 2001/TNSJ, Festival Danças na Cidade/Alkantara (2002 a 2012), Artemrede (2005 a 2008), Festival Citemor desde (2008 a 2022), Festival Materiais Diversos (2013 a 2017), BoCA – Biennial of Contemporary Arts (2017 a 2021), Teatro Nacional São Carlos (2017 a 2022).

Integrou a equipa técnica como diretor técnico e operador de luz de vários espetáculos em tour desde 1996, trabalhando entre outros com Vera Mantero, Francisco Camacho, Clara Andermatt, Real Pelágio, Rui Catalão, Teatro do Vestido e John Romão.

Integrou o corpo docente da Unidade Curricular de Produção da Escola Superior de Dança/Instituto Politécnico de Lisboa entre 2007 e 2012.

Atualmente é o diretor técnico da Culturgest.

Módulo de Som com Rui Campos Leitão

(ver biografia no módulo de Música)

Projeto

As matérias apreendidas no curso ganham corpo e são aplicadas na elaboração de um projeto de âmbito cultural.

Deve contemplar todas as vertentes de planeamento e gestão de um projeto artístico e é acompanhado pelas formadoras de Gestão Financeira (Rita Guerreiro), Estratégias de Programação (Elisabete Paiva) e Comunicação Cultural (Inês Lampreia).

Vídeos © Eduardo Q. Hall

31 Julho, 2026

Sofia Ó

Como ficamos zangadas

Mostra Informal

Forum Dança | 21 agosto 2026 | 18h30

Partilha de processo de residência

ENTRADA GRATUITA

Como ficamos zangadas é um dos três trabalhos selecionados para o “Núcleo 2026”, um projeto anual do Forum Dança.

Nesta residência, Sofia Ó realiza as primeiras experimentações das corporalidades e afetos que comporão a pesquisa de criação para a obra ZANGADA.

ZANGADA é uma criação coreográfica para corpo e texto, que propõe a reconfiguração da zanga enquanto força estética, política e relacional. Tradicionalmente associada à desregulação emocional, a zanga é aqui assumida como matéria de criação, afirmando-se como dispositivo crítico capaz de gerar novas formas de expressão, pensamento e relação. A pesquisa articula referências da dança contemporânea, do teatro físico, da palhaçaria, da filosofia política e da fabulação crítica.

Concepção, direção e performance: Sofia Ó
Apoio à dramaturgia: Rafael Limongelli

Apoio à criação em som e voz: Dandara Modesto

Apoio à criação em palhaçaria: Joana Egypto

Figurino e cenografia: Neusa Trovoada

Consultoria em educação: Clara Bevilaqua

Produção: Kora Criativa

Apoio: Forum Dança, Casa da Dança, Polo Cultural das Gaivotas, c.e.m – centro em movimento, BOTA

Financiamento: Fundação GDA

Local
Espaço da Penha, Forum Dança – Tv. do Calado 26B, 1170-070 Lisboa

Entrada Gratuita

Imagem ©DR / Sofia Ó (arquivo pessoal)

30 Julho, 2026

Maria Antunes

NINFA (título provisório)

Mostra Informal

Forum Dança | 26 agosto 2026 | 18h30

Partilha de processo de residência

ENTRADA GRATUITA

NINFA (título provisório) é um dos três trabalhos selecionados para o “Núcleo 2026”, um projeto anual do Forum Dança.

NINFA é uma performance a solo que investiga o corpo feminino como território de poder, desejo e autodeterminação. A obra questiona a construção histórica do corpo da mulher enquanto objeto de contemplação e espaço regulado por normas morais, religiosas e sociais. Partindo dos arquétipos mitológicos da ninfa, figuras associadas à natureza, à sensualidade e à fertilidade, cuja herança simbólica persiste na patologização do desejo feminino, como evidencia o termo “ninfomania”, a peça propõe uma reconfiguração da sensualidade enquanto força autónoma, capaz de produzir conhecimento, presença e agência, em vez de permanecer disponível ao consumo e à objetificação.

Direcção Artística e interpretação – Maria Antunes
Criação musical – Soluna

Local
Espaço da Penha, Forum Dança – Tv. do Calado 26B, 1170-070 Lisboa

Entrada Gratuita

Imagem ©DR / Sónia Godinho

30 Julho, 2026

Beatriz Ballarin

Diário da Ausência

Mostra Informal

Forum Dança | 14 agosto 2026 | 18h30

Partilha de processo de residência

ENTRADA GRATUITA

Diário da Ausência é um dos três trabalhos selecionados para o “Núcleo 2026”, um projeto anual do Forum Dança.

Diário da Ausência é uma investigação e processo criativo em dança-performance e trabalho de arquivo por Beatriz Ballarin que investiga o luto, a ciclicidade e processos de cura. A partir de um arquivo de fotografias, vídeos, sons, texto e memórias corporais do próprio luto após a perda súbita do pai e mais quatro familiares, a artista propõe a criação de um objeto performativo a partir da perspectiva das culturas de matriz africana no Brasil para estabelecer uma comunicação com o invisível, transformando a perda num memorial vivo. É uma dança sobre estar “só, mas junto”, onde o corpo se torna o ponto de encontro entre os que ficam e os que partiram.

Criação e interpretação: Beatriz Ballarin
Apoio à dramaturgia: Wura Moraes
Composição musical: Helle Simone
Acompanhamento artístico e apoio ao arquivo: Sara Zeferino

Local
Espaço da Penha, Forum Dança – Tv. do Calado 26B, 1170-070 Lisboa

Entrada Gratuita

Imagem ©DR / Beatriz Ballarin

26 Junho, 2026

Andorinha só não faz verão

PACAP 9 / Marcelo Evelin

Teatro do Bairro Alto

9 a 12 julho 2026
quinta a sábado 19h30 + domingo 17h30

O PACAP 9 aposta numa criação coletiva feita em colaboração para o seu espetáculo final no TBA. Partindo de uma premissa de uníssono como forma de estar junto, reinventamos essa forma coreográfica tradicional aceitando e complexificando a sua inerente impossibilidade de acontecer como realidade plausível nos dias de hoje. A insistência vai deflagrar, não num abandono da forma, mas numa substituição das lógicas individualistas por uma coreografia radical de convívio e partilha.

O espetáculo foi criado a partir das práticas propostas pelos artistas convidados pela curadoria do programa, considerando-os co-criadores nesse amalgamado de propósitos autónomos que reverberam numa dança comum. Durante os 6 meses de programa, tentámos abrir a nossa percepção para perceber aquilo que insistia em nos aparecer de maneira misteriosa, e ao confiar no rigor destas subtilezas, encontramos uma peça que já se estava fazendo através de nós.

ANDORINHA SÓ NÃO FAZ VERÃO evoca um corpo que é em si uma multidão de formas em desaparecimento, numa cosmologia de mortos e vivos, para ser performada como quem exercita a capacidade de dobrar a luz, contornar o invisível e se manter devoto ao que é impossível de se fazer sozinho.

Marcelo Evelin e Artistas participantes do PACAP 9

O PACAP é um programa organizado pelo Forum Dança dirigido a profissionais de áreas artísticas que pretendem investir num período de experimentação avançada, conciliando-o com a investigação, a criação e a apresentação ao público. Cada edição do PACAP tem uma duração de 6 meses. Nesta sua 9.ª edição conta com a curadoria de Marcelo Evelin e colaboração artística de Bruno Moreno.

Ficha artística e técnica

Criação, coreografia e direção
Marcelo Evelin

Criação, assistência de coreografia e de direção
Bruno Moreno

Criação e performance | Artistas Participantes PACAP 9
Abdulay Bragança Dias, Bruna Danesi, Camila Delgado, Déborah Alessandra Soares, Federico Brocal, Johanna Szőke, Julia Domínguez, Manuela Libman, Maria Ramalho, Maria Tamarit, Mel Paiva, Parvin Saljoughi, Paula Otero

Som ao vivo
Sara Zita Correia

Acompanhamento dramatúrgico
Bibi Dória

Luz e Espaço
Ska Batista

Artistas Convidados PACAP 9
Ana Rita Teodoro, André Lepecki, Christine Greiner, Coletivo Piscina (Andrei Bessa, Bibi Dória, Bruno Brandolino, Josefa Pereira, Julián Pacomio, Lucas Damiani, Márcia Lança, Natália Mendonça, Nicole Gomes e Romain Beltrão Teule), Eleonora Fabião, Flavia Pinheiro, Jocelyn Cottencin, Marine Sigaut, Miguel Pereira, Piny, Tiyê Macau, Venuri Perera

Documentação em vídeo
Gabriela Giffoni

Produção
Carolina Martins

Assistência de Produção
Mafalda Sustelo

Comunicação
Marta Ramos

Direção Forum Dança
Dora Carvalho

Duração
1h30

Local

TBA – Teatro do Bairro Alto

R. Ten. Raul Cascais 1 A, 1250-268 Lisboa

Mais informações aqui.

Comprar bilhetes aqui.

Apoios e Parcerias

Coprodução PACAP 9: Teatro do Bairro Alto

Coprodução em Residência PACAP 9: O Espaço do Tempo

Créditos da imagem de topo © P. Ivo Carvalho

26 Maio, 2026

Arte Jovem 2026

Regressamos aos ateliers de verão!

Dança Criativa, Laboratório de Criação Artística, Teatro e Vídeo para crianças dos 7 aos 12 anos.

Está a chegar mais um Arte Jovem e as atividades que marcam o início das férias de Verão.

Nestes ateliers de dança criativa, laboratório de criação artística, teatro e vídeo irás: dançar, cantar, escrever, brincar, aprender, criar, pensar, interpretar e criar histórias com novas amizades e também vais fazer um filme para apresentares à tua família e amigas/os.

As atividades deste ano terão como mote o livro “A História do Não” de Elena Levi e Serge Bloch, da editora Orfeu Negro para a coleção Orfeu Mini, uma história sobre como nasceu e para o que serve o NÃO.

Atividades de 20 a 24 de Julho

Dança Criativa, com Carla Ribeiro
Laboratório de Criação Artística, com Márcia Lança
Teatro e Vídeo, com Manuela Pedroso e João Pinto
Apresentação final: sexta-feira, 24 de julho, às 17h

Informações importantes

O Arte Jovem decorre de 20 a 24 de julho, com atividades entre as 10h15 e as 17h15.
A faixa etária das crianças é compreendida entre os 7 e os 12 anos de idade.
Todas as crianças devem ter cumprido, pelo menos, o 1.º ano de escolaridade obrigatória.
Recebemos as crianças a partir das 9h30 e podem ficar até às 18h30.
Todos os dias haverá um intervalo para almoço e brincadeira, que decorre entre as 13h00 e as 14h30.
As crianças trazem almoço e lanche de casa (não esquecer: trazer também talheres). O Forum Dança assegura o aquecimento das refeições e acompanhamento das crianças.
Sexta-feira dia 24 de julho às 17h00: convite aos familiares para assistirem à apresentação do trabalho desenvolvido ao longo da semana.

Taxa de Participação

Dia inteiro – 130,00€
Períodos da manhã – 75,00€ (meio-dia)
Períodos da tarde – 75,00€ (meio-dia)

Desconto

10% para residentes na Penha de França e para irmãos e irmãs.

15% para alunos e alunas do Forum Dança no ano letivo a decorrer (2025/26).

Inscrições e mais informações

As inscrições são feitas pelo formulário disponível no nosso site (mais abaixo, nesta página) e pedidos de mais informações devem ser feitas para o nosso email.

Calendário de Actividades

10h15 – 13h
Atelier de Dança Criativa

Com Carla Ribeiro

ALMOÇO E BRINCADEIRA

14h30 – 15h45 / 16h – 17h15
Ateliers de Teatro e Vídeo

Com Manuela Pedroso e João Pinto

10h15 – 13h
Atelier de Dança Criativa

Com Carla Ribeiro

ALMOÇO E BRINCADEIRA

14h30 – 15h45 / 16h – 17h15
Ateliers de Teatro e Vídeo,

Com Manuela Pedroso e João Pinto

10h15 – 13h00
Laboratório de Criação Artística

Com Márcia Lança

ALMOÇO E BRINCADEIRA

14h30 – 15h45 / 16h – 17h15
Ateliers de Teatro e Vídeo,

Com Manuela Pedroso e João Pinto

10h15 – 11h30
Atelier de Dança Criativa

Com Carla Ribeiro

11h45 – 13h00
Laboratório de Criação Artística

Com Márcia Lança

ALMOÇO E BRINCADEIRA

14h30 – 15h45 / 16h – 17h15
Ateliers de Teatro e Vídeo

Com Manuela Pedroso e João Pinto

10h15 – 13h
Laboratório de Criação Artística

Com Márcia Lança

ALMOÇO E BRINCADEIRA

14h30 – 15h45 / 16h – 16h45
Ateliers de Teatro e Vídeo

Com Manuela Pedroso e João Pinto

17h00
Apresentação final à família e amigos

Professores

Carla Ribeiro

Carla Ribeiro inicia os seus estudos de dança Clássica e Moderna com Igor Ivanoff e Madalena Victorino. É formada pela Escola Superior de Dança e realizou o Curso de Dança na Comunidade pelo Forum Dança. Na sua formação complementar trabalha com Carolyn Carlson, Ann Papoulis, Stephanie Skura e Mestre Noro.

Enquanto intérprete destacam-se espetáculos realizados com a Olga Roriz Companhia de Dança, Susana Vidal, Marina Nabais Dança, John Mowat, Tânia Carvalho/Aza Companhia, Companhia Paulo Ribeiro, Ricardo Pais, O Útero, Pigeons International, Nuno Carinhas, Teatro O Bando, etc.

Para além da sua atividade artística, leciona Dança Contemporânea no Forum Dança e Dança Criativa no Colégio Cesário Verde.

Como docente descatam-se as aulas de Dança Contemporânea no Forum Dança, Dança Inclusiva na Fundação Liga, Dança Criativa no Colégio Cesário Verde (e atual Cesário Verde International School) e Aulas de Corpo na AMA.

João Pinto

João Pinto (aka PTV), realizador, editor & manipulador de imagens. Conclui a escola superior de cinema em 1993. Colaborou com inúmeros criadores na área da dança contemporânea, música, teatro e cinema:
Aldara Bizarro, Filipa Francisco, Paulo Ribeiro, Vítor Rua, Nuno Rebelo, Carlos Barreto, Fernando Mora Ramos, Edgar Pêra, Miguel Seabra, entre outros, promovendo as suas obras e assinando muitas criações vídeo originais.

Realizou projetos de videoarte, documentários e videoclips. Pioneiro do videojamming (VJ) desde 1996 até à actualidade. Participou em projectos educativos e inovadores de Arte em escolas públicas: Projecto Respira (2009/10) e “Somos Nós” (2021). Trabalhou em diversos projetos de desenvolvimento com minorias (Alkantara Festival e Fundação Calouste Gulbenkian 2008/11), “Nu Kre Bai Na Bu Onda” e “Tapete”. “A Preguiça Ataca?”, documentário complemento à peça de dança contemporânea (2022). “A Mulher Azul”, realização de uma curta metragem para a RTP Palco (2022).

Manuela Pedroso

Manuela Pedroso, é licenciada em Teatro/Formação de Atores e Encenadores pela Escola Superior de Teatro e Cinema, em Lisboa. Frequentou o Curso de Monitores de Dança para a Comunidade organizado pelo Forum Dança, em 1992/93.

Desde 1986 trabalha como atriz profissional em diversas companhias teatrais; Teatro Espaço, Teatro da Malaposta, Teatro do Século, Teatro Meridional, Casa Conveniente, entre outros; tendo sido dirigida pelos encenadores: Águeda Sena, José Martins, Figueira Cid, Rui Mendes, Mário Feliciano, Inês Câmara Pestana, Miguel Seabra, Layla Ripol, Mónica Calle, Inês Barahona, Giacomo Scalisi, Miguel Fragata, João de Brito e Caroline Bergeron.

Participou como intérprete na área da Dança em projetos coreográficos de Margarida Pinto Coelho, Paulo Henrique e Madalena Victorino.

Trabalha desde 1991 como formadora na área do Teatro e da Dança Criativa com diversas entidades oficiais promotoras do ensino artístico em Portugal.

Márcia Lança

Márcia Lança nasceu em Beja e vive em Lisboa. Em 2008 fundou a VAGAR da qual é diretora artística. Tem trabalhado como coreógrafa e performer em diversas configurações colaborativas. Move-se em territórios onde as fronteiras entre o ficcional e o real são ténues e difusas. O seu interesse pela materialidade poética de ações e tarefas concretas está no centro dos seus processos de criação. É apaixonada por composições coletivas emergentes, pelo pensamento enquanto ação e por construções situadas. Mais informações aqui.

Formulário de inscrição

10 Abril, 2026

Workshop Harald Beharie

5 a 9 de agosto, 2026

Forum Dança, Espaço da Penha, Lisboa

Inscrições abertas.

Ambiguous Intensities

Um workshop com Harald Beharie

Nos últimos anos, Harald Beharie tem-se dedicado a explorar o corpo como um espaço de ambivalência. Um local onde forças, desejos e mecânicas opostas coexistem e colidem.
O workshop baseia-se em materiais e metodologias desenvolvidos ao longo de uma trilogia de obras (Batty Bwoy, Undersang e Sweet Spot, 2022 – 2026) , onde o corpo é abordado como algo instável, excessivo e exposto na sua constante negociação com o ambiente circundante. Fragmentos, práticas e partituras destas obras funcionarão como pontos de partida e referências partilhadas. Não como coreografias fixas mas como material a ser reativado, distorcido e reimaginado dentro do grupo. Juntos, formaremos um coletivo temporário. Um espaço para aprofundar formas de estar, para canalizar e manifestar atitudes e estados energéticos. Começando com práticas somáticas e vocais específicas, avançaremos para sessões mais abertas, trabalhando tanto com a voz como com o movimento. O workshop explora como a ambiguidade pode ser sustentada como uma força geradora, permitindo que um corpo coletivo surja, se dissolva e se reconfigure. Iremos explorar como a ludicidade e o estranho podem produzir camadas de magia, confusão e deslizamento. Como permanecer na confusão, juntos e também a abraçar o constrangimento e a tolice como um estado produtivo. Como a ambiguidade pode ser incorporada através da forma, da sensação e da duração. Como algo perdura e se esvai.

O workshop inclui elementos de trabalho de contacto e está aberto a artistas profissionais e estudantes da área das artes performativas.

Informações

A quem se destina

Artistas profissionais e estudantes da área das artes performativas.’

Horários

Datas: 5 a 9 de agosto

Horário: 4ª a 6ª das 18h30 às 21h30 | Sábado e domingo das 10h00 às 13h00 e das 14h às 17h

Local

Forum Dança
Espaço da Penha
Travessa do Calado, 26B,
1170-070 Lisboa

Taxa de participação

150€

Descontos

20% para pessoas que participam ou já participaram nos cursos de longa duração do Forum Dança, participantes em workshops promovidos pela Parasita/Forum Dança e estudantes de dança.

Formulário

Todos os campos são de preenchimento obrigatório.

Biografia

Harald Beharie

Harald Beharie (ele/elu) é um artista performativo e coreógrafo norueguês-jamaicano que vive em Oslo, na Noruega. A prática e as coreografias de Beharie surgem frequentemente na tensão entre o quotidiano e o extremo, o banal e o sagrado, brincando com a transformação como um princípio contínuo, tanto para o corpo como para os espaços por onde este se move. No cerne está o desejo de desafiar a forma como sentimos, compreendemos e organizamos a realidade. Os seus trabalhos exploram como a queeridade e o corpo podem funcionar como um meio e um local de revolta, êxtase e dissolução.
Tem um interesse especial pelo «faça você mesmo» e pela vulnerabilidade de estar no desconhecido. Beharie está interessado em como o corpo pode funcionar como um motor para a dramaturgia, uma força em si mesma que se transforma através da prática. Nas suas obras Batty Bwoy e Undersang, o prazer, o excesso e a monstruosidade podem tornar-se forças de empoderamento e transformação, ao mesmo tempo que utilizam o corpo como um local de ambivalência.

Organização

Forum Dança e Associação Parasita

Créditos da imagem de topo © Chai Saeidi

10 Abril, 2026

Cartografias #6

Ciclo de apresentações

2026 | Forum Dança

Retomamos o ciclo Cartografias com quatro propostas que compõem um lugar para pensar o corpo enquanto arquivo vivo, campo de disputa e de transformação. A sua constelação desenha um território onde a criação coreográfica se afirma como gesto de escuta radical, de fricção simbólica e de reinvenção ética. Cada obra abre uma fenda distinta, mas todas partilham o impulso de cartografar zonas liminares – entre o visível e o espectral, o íntimo e o político, o mítico e o biográfico -, dando seguimento à ambiência construída por estes artistas durante a sua participação no PACAP 8, com direção artística de Meg Stuart.

Assim, em COWBOYS CORNER, a cena torna-se um campo de assombração ativa, onde corpos e palavras conduzem o público por uma paisagem de pertença em disputa. A dramaturgia convoca o invisível como matéria coreográfica, produzindo um espaço-tempo suspenso que questiona quem pode ocupar o comum. PAGAN POETRY desloca essa investigação para o ritual e para a potência da linguagem. A partir de cadernos-cartografias, o trabalho propõe uma poética insurgente que dignifica corpos marginais e afirma o amor como resistência, dissolvendo fronteiras entre o divino e o profano.

Em Monstrosity Studies // Staging Innocence, a monstruosidade emerge como ferramenta crítica. A obra convoca mitos, genealogias e feridas intergeracionais para expor os resíduos de violência que moldam comportamentos e moralidades contemporâneas, instaurando uma tempestade que desorienta para revelar. Por fim, LENTO investiga a intimidade queer através da desaceleração como estratégia política. O movimento em câmara lenta abre micro-percepções onde o amor lésbico se descola de narrativas normativas e reivindica novos modos de habitar o afeto.

Estas quatro propostas emergem de residências artísticas de três semanas no Forum Dança e convidam-nos a ser testemunhas da sua aparição e a conversar com os seus artistas, após cada mostra, para que, juntos, fabriquemos pensamentos propiciadores de ação e ajudemos à transformação do mundo.

Programa

8 maio 18h30

Emily da Silva, Isabela Rossi, María Ibarretxe

Cowboys Corner

Tiago Vieira

Pagan Poetry

29 maio 18h30

Belmon / Therese Bendjus

Monstrosity Studies // Staging Innocence

Isabela Rossi e Julia Kosalka

Lento

Informações

forumdança@forumdança.pt

COWBOYS CORNER de María Ibarretxe, Isabela Rossi, Emily da Silva

1 Abril, 2026

Workshop Luís Guerra

30 setembro a 4 de outubro 2026

Forum Dança, Espaço da Penha, Lisboa

Inscrições abertas.

dançar com o invisível ou dançar com o corpo inteiro

Um workshop com Luís Guerra

‘Nestes dias de investigação partilharei caminhos, estratégias e ferramentas que fui explorando ao longo de mais de vinte anos a trabalhar continuamente como intérprete e improvisador nas áreas da dança, da performance e das artes visuais. A proposta passa por mergulhar no corpo como um dos territórios mais ricos e um dos instrumentos privilegiados para a expressão do impulso criativo, activando dimensões muitas vezes adormecidas ou desabitadas procurando reanimar a consciência perante tudo aquilo que habita ou se esconde na escuridão do inconsciente. Trabalharemos sobretudo a partir de estímulos sensoriais que não se limitem ao campo visual, privilegiando a escuta, a audição mas também a arqueologia interna abrindo espaço para mergulhos transcendentais que possam sair fora dos guiões do controlo e da previsibilidade. Será acima de tudo um espaço de exploração, experimentação, composição espontânea e improvisação onde o corpo de cada dia se tornará o principal guia e maestro. Procurar-se-ão estados de presença mais desagarrados das ideias pré-concebidas sobre o certo e o errado, sobre o bem e o mal, sobre o válido e o não válido sem no entanto perder exigência perante as formas ou os conteúdos abrindo assim espaço para experiências intensas, por vezes próximas ou invocadoras de estados alterados de consciência, que nos revelem corpos mais disponíveis, sensíveis e vivos. Acima de tudo, este será um encontro a construir em conjunto, com o desejo de que seja para cada qual que nele participe um momento nutritivo e impulsionador de expansão dos impérios físico, psíquico e emocional.’

[Luís Guerra]

Informações

A quem se destina

Este workshop destina-se a todas as pessoas profissionais ou não profissionais que tenham real interesse na dança e no corpo.

Horários

Datas: 30 de setembro a 4 de outubro

Horário: 4ª a 6ª das 18h30 às 21h30 | Sábado e domingo das 10h00 às 13h00 e das 14h às 17h

Local

Forum Dança
Espaço da Penha
Travessa do Calado, 26B,
1170-070 Lisboa

Taxa de participação

150€

Descontos

20% para pessoas que participam ou já participaram nos cursos de longa duração do Forum Dança, participantes em workshops promovidos pela Parasita/Forum Dança e estudantes de dança.

Formulário

Todos os campos são de preenchimento obrigatório.

Biografia

Luís Guerra

Luís Guerra [Lisboa, 1985] estudou dança no Conservatório Nacional (1995-2003); coreografia na Fundação Gulbenkian (2005); massagem de relaxamento no Instituto de Medicina Tradicional (2020), pintura e desenho no ArCo (2019-2022) e completou ainda o curso avançado e o projecto individual em artes visuais nessa mesma escola (2022-2025) onde recebeu a bolsa Vera Futscher. Expõe regularmente o seu trabalho visual e trabalha há mais de duas décadas enquanto intérprete, bailarino, improvisador, modelo para aulas de desenho, pedagogo e coreógrafo destacando as colaborações recentes e/ou regulares com Vera Mantero, Sofia Dias & Vitor Roriz, Simon Vincenzi, Emio Greco|PC, Claudia Castelucci, Christophe Haleb, Meg Stuart, Elisabete Francisca, Mariana Tengner Barros, Teresa Silva, David Marques, Tânia Carvalho, entre outros. Foi bolseiro DanceWeb e nos últimos anos tem-se dedicado principalmente à improvisação e à invocação de estados de transe geralmente em performances duracionais e apresentadas em contextos fora dos teatros como por exemplo galerias de arte, jardins ou espaços exteriores. Entre os trabalhos recentes destaca-se a improvisação homenagem a Almada Negreiros na escadaria da Fundação Gulbenkian, o solo com dança e texto de sua autoria no jardim da Casa da Cerca, as improvisações na floresta de Monsanto durante o Festival Silvestre, a performance de improvisação com interação com o público apresentada no MAAT ou as performances improvisadas no TicTac Art Centre. Actualmente reside em Bruxelas onde leva a cabo uma série de formações pontuais na área de improvisação em contexto de artes performativas.

Organização

Forum Dança e Associação Parasita

12 Março, 2026

Núcleo 2026

O Núcleo surge como um projeto que cumpre um dos objetivos do Forum Dança: acolher residências artísticas e apresentações informais decorrentes, sob o cuidado de uma linha programática específica.

Tem um impulso auto-reflexivo da história do Forum Dança, referenciando-se com o Núcleo de Apoio Coreográfico (NAC) que na década de 1990 foi uma importante plataforma de apoio à criação e internacionalização da dança portuguesa.

Trata-se de um lugar de experimentação, no qual se cuida do ofício de criar, mostrar, refletir, criar circularidade com a comunidade artística e na sua vertente pública na criação e mediação de públicos.

Open Call | Residências 2026

Candidaturas encerradas

Sendo um dos objetivos do Forum Dança o apoio à criação artística, de acordo com linhas programáticas enquadradas pela sua direção, o Programa de Residências Núcleo 2026 surge para que se crie um espaço que possibilita um período de experimentação e de investigação pela ação, articulando a criação com a transmissão à comunidade artística.

A presente edição do Programa apoiará três projetos na área da dança contemporânea ou performance que se encontrem em qualquer fase de conceção e desenvolvimento, desde que ainda não estreados.

O Programa oferece espaço de ensaio durante duas semanas e a possibilidade de realizar uma partilha com o público.

As candidaturas deverão ser submetidas até dia 25 de março de 2026.

Os resultados serão anunciados até dia 27 de março de 2026, por email.

Períodos

Residência 1: 3 a 14 de agosto
Residência 2: 10 a 21 de agosto
Residência 3: 17 a 28 de agosto

Condições

Apoio a 3 projetos selecionados pela direção do Forum Dança;
Apoio à divulgação do projeto nos meios de comunicação do Forum Dança;
Possibilidade de partilha pública, no formato de mostra informal, ensaio aberto, conversa ou similar, a confirmar e definir com a equipa do Forum Dança;
Menção obrigatória “Apoio à Criação – Forum Dança” e inserção do logótipo em todo o material de promoção do projeto.

Datas

As candidaturas deverão ser submetidas até dia 25 de março de 2026.

Os resultados serão anunciados até dia 27 de março de 2026, por email.

Formulário

6 Março, 2026

Workshop Marcela Levi e Lucía Russo

27 a 31 de maio de 2026

Forum Dança, Espaço da Penha, Lisboa

Este workshop será dirigido em língua portuguesa e castelhano.

Inscrições abertas.

Montar, desmontar, remontar

Um workshop com Marcela Levi e Lucía Russo

‘Há alguns anos, a Improvável Produções, fundada pelas coreógrafas Marcela Levi e Lucía Russo, desloca-se com um composto de perguntas que convocam o trabalho a trabalhar: como dar corpo, isto é, materializar, em conversa com o poeta Édouard Glissant, o desejo de “um mundo de muitos mundos”? Quais as estratégias necessárias para transtornar a arquitetura frontal e o regime de visualidade unidirecional de um palco italiano? Como aproximar distâncias sem esmagar as fendas, ou seja, como conviver entre diferentes de maneira não separatista? Quais as estratégias necessárias para sustentar a continuidade de um trabalho coletivo de pesquisa, ou seja, como ganhar tempo?

Carregadas com essas perguntas, em um gesto que busca atravessamentos, compartilharemos alguns aspectos fundamentais das questões artísticas que (des)orientam a nossa pesquisa.

Num primeiro momento desta oficina, destinada a profissionais e estudantes das artes cênicas, praticaremos a multifacetação do corpo por meio da condução multidirecional das massas ósseas (crânio, bacia, costelas, escápulas, calcâneo e metatarso), ativada pela força de empurre e pelo empuxo de forças de imantação.

Num segundo momento, nos dedicaremos a procurar e fabular cruzos entre matérias distantes no tempo e no espaço. Reconhecer ressonâncias e ecos, na busca de pontos em comum entre matérias visíveis e invisíveis distintas, nos ajudará na tessitura desse campo de forças em tensão. Montar, desmontar, remontar, desmontar, remontar…’
[Levi e Lucía Russo]

Informações

A quem se destina

Este workshop destina-se a bailarinos, intérpretes e pessoas com experiência em práticas do corpo.

Horários

Datas: 27 a 31 de maio

Horário: 4ª a 6ª das 18h00 às 21h00 | Sábado e domingo das 10h00 às 13h00 e das 14h00 às 17h00

Local

Forum Dança
Espaço da Penha
Travessa do Calado, 26B,
1170-070 Lisboa

Taxa de participação

Um workshop: 150€

Descontos

20% para pessoas que participam ou já participaram nos cursos de longa duração do Forum Dança, participantes em workshops promovidos pela Parasita/Forum Dança e estudantes de dança.
50% Bolsas de estudo para artistas ou estudantes de artes performativas portugueses e/ou residentes em Portugal, com o apoio da Fundação GDA (mediante candidatura até dia 21 de maio de 2026)

Formulário

Todos os campos são de preenchimento obrigatório.

Biografia

Improvável Produções

Em 2010, as coreógrafas Marcela Levi (Rio de Janeiro, Brasil) e Lucía Russo (Patagônia, Argentina), atuantes no campo da dança de pesquisa no Brasil e no exterior há mais de 30 anos, fundaram, no Rio de Janeiro, a Improvável Produções, uma plataforma de formação, pesquisa e criação. Levi & Russo apostam em uma direção polifônica em que diferentes posições inventivas se entrecruzam em um processo que acolhe linhas desviantes, dissenso e diferenças internas como força crítica construtiva, e não como polaridades autoexcludentes.

Com um repertório que cruza danças, músicas, vozes e pensamentos de distintos tempos e lugares, a Improvável afirma a dança contemporânea como um campo expandido de convivência e pensamento crítico. Entre suas criações, destacam-se c h ãO, 3 contra 2: Psico Trópicos, Fora de Quadro e o que é o coro. coro, esta última comissionada para os 32 bailarinos do Balé da Cidade de São Paulo.

Mais informações: https://improvavelproducoes.com/

Organização

Forum Dança e Associação Parasita

Apoio

Transborda

25 Fevereiro, 2026

Sónia Baptista

7 a 11 de setembro de 2026 | 15h – 18h00
Forum Dança

Inscrições abertas.

‘ Como se alia a palavra ao movimento, na potencialidade do diálogo e/ou da dissonância. Como se escreve e descreve experiência sensível, como se monta e desmonta o corpo? O importante é não saber. Na fluidez da pergunta, o que o cérebro diz, aguado é. ‘

[Sónia Baptista]

Informações

A quem se destina

Para todo o tipo de pessoas.

Horários

Datas: 7 a 11 de setembro de 2026
Horário: Das 15h00 às 18h00

Local

Forum Dança / Espaço da Penha

Travessa do Calado, 26B, 1170-070 Lisboa

Taxa de participação

70€

Descontos

Desconto de 10% na inscrição em mais do que 1 workshop
Desconto de 15% na inscrição em mais do que 3 workshops
Desconto de 20% na inscrição em mais do 4 workshops

15% para pessoas que participam ou já participaram nos cursos de longa duração do Forum Dança (PACAP ou PEPCC)
10% para estudantes de dança

Formulário de inscrição

Todos os campos são de preenchimento obrigatório.

Biografia

Sónia Baptista

Sónia Baptista – (Lisboa,1973) é coreógrafa, encenadora, dramaturga e intérprete. Tem o Curso de Intérpretes de Dança Contemporânea do Fórum Dança e obteve, com distinção, o grau de Master Researcher in Choreography and Performance pela Universidade de Roehampton, em Londres, Reino Unido. O seu trabalho foi premiado pelo Ministério da Cultura e pela SPA. A sua linguagem é multidisciplinar, misturando textos clássicos, textos filosóficos, cultura pop, questões de género, contextos queer e ecofeministas.

25 Fevereiro, 2026

Piny | Do corpo ao cosmos

7 a 11 de setembro de 2026 | 19h – 21h30
Forum Dança

Inscrições abertas.

‘ Através das energias dos planetas e das linguagens de danças de rua e clubbing lemos o corpo e o cosmos, assim mesmo em sequência e em consequência. O que restringe e o que expande, o que revoluciona e o que mantém, o que cria estrutura e o que as destrói. Entre tudo existe o mesmo espaço. Exploramos a partir de um profundo sentimento de contexto em busca de prazer, vitalidade e resistência, interligando práticas somáticas com as culturas das danças de rua e clubbing – na construção de comunidades ancestrais para o futuro. ‘

[Piny]

Informações

A quem se destina

Pessoas ligadas a qualquer área de dança ou interessadas em práticas de movimento.

Horários

Datas: 7 a 11 de setembro de 2026
Horário: Das 19h00 às 21h30

Local

Forum Dança / Espaço da Penha

Travessa do Calado, 26B, 1170-070 Lisboa

Taxa de participação

70€

Descontos

Desconto de 10% na inscrição em mais do que 1 workshop
Desconto de 15% na inscrição em mais do que 3 workshops
Desconto de 20% na inscrição em mais do 4 workshops
15% para pessoas que participam ou já participaram nos cursos de longa duração do Forum Dança (PACAP ou PEPCC)
10% para estudantes de dança

Formulário de inscrição

Todos os campos são de preenchimento obrigatório.

Biografia

Piny

Piny – Natural de Lisboa, formou-se em Arquitectura e em Dança Contemporânea.
Estuda danças do Norte de África e suas fusões contemporâneas, cultura Hip Hop e Clubbing e cultura Ballroom. Desenvolve o seu percurso entre a interpretação e a criação. Criou o festival OU.kupa.

24 Fevereiro, 2026

Jorge Ciprianno | Método Ọ̀kànràn

24 a 28 agosto de 2026 | 19h – 21h30
Forum Dança

Inscrições abertas.

‘O Método Ọ̀kànràn é uma proposta pedagógica afrocentrada em dança que articula práticas corporais afro-brasileiras, princípios somáticos, cosmologias de matriz africana e abordagens contemporâneas do movimento, compreendendo a dança afro-diaspórica como campo estético, político, ancestral, espiritual e epistemológico. O workshop investiga o corpo como território sensível, natureza e arquivo de memória a partir do princípio da encruzilhada e de uma noção de tempo espiralar, onde ancestralidade e futuro se cruzam.’

[Jorge Cipriano]

Informações

A quem se destina

Artistas do corpo e pessoas que desejam expandir a sua linguagem através da dança afro-contemporânea, bem como a interessadas na prática da dança enquanto ferramenta de comunicação, expressão e criação.

Horários

Datas: 24 a 28 agosto 2026
Horário: Das 19h00 às 21h30

Local

Forum Dança / Espaço da Penha

Travessa do Calado, 26B, 1170-070 Lisboa

Taxa de participação

70€

Descontos

Desconto de 10% na inscrição em mais do que 1 workshop
Desconto de 15% na inscrição em mais do que 3 workshops
Desconto de 20% na inscrição em mais do 4 workshops

15% para pessoas que participam ou já participaram nos cursos de longa duração do Forum Dança (PACAP ou PEPCC)
10% para estudantes de dança

Formulário de inscrição

Todos os campos são de preenchimento obrigatório.

Biografia

Jorge Cipriano

Jorge Ciprianno é bailarino, coreógrafo e arte-educador afro-diaspórico, cuja pesquisa une ancestralidade, corporeidade negra e criação contemporânea. Multiartista com trajetória internacional, desenvolve o método Ọ̀kànràn e atua na formação de novos corpos e narrativas na dança

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1 de outubro 2026, às 18h30 Forum Dança • Espaço da Penha • Lisboa

Curso de Gestão/Produção das Artes do Espetáculo

De 14 de novembro de 2026 a 29 de julho de 2027

Informações

CGPAE, uma referência nacional

Objetivos Gerais

Coordenação Pedagógica

A quem se destina

Corpo Docente / Estrutura Curricular

Horários

Processo de Candidatura

Pagamentos

Testemunhos de ex-participantes

Regulamento

Formulário

Programa completo

História da Dança

Música

Teatro

Comunicação Cultural

Gestão Financeira

Políticas Culturais

Financiamento Europeu para a Cultura

Direito na Cultura

Direção de Cena / Espaços Culturais

Estratégias de Programação

Arte e Sociedade

Luz e Som (2 módulos)

Módulo de Luz com Carlos Ramos

Módulo de Som com Rui Campos Leitão

Projeto

Como ficamos zangadas

Mostra Informal

Forum Dança | 21 agosto 2026 | 18h30

NINFA (título provisório)

Mostra Informal

Forum Dança | 26 agosto 2026 | 18h30

Diário da Ausência

Mostra Informal

Forum Dança | 14 agosto 2026 | 18h30

PACAP 9 / Marcelo Evelin

Teatro do Bairro Alto

9 a 12 julho 2026 quinta a sábado 19h30 + domingo 17h30

Local

Apoios e Parcerias

Regressamos aos ateliers de verão!

Dança Criativa, Laboratório de Criação Artística, Teatro e Vídeo para crianças dos 7 aos 12 anos.

Atividades de 20 a 24 de Julho

Informações importantes

Taxa de Participação

Desconto

Inscrições e mais informações

Calendário de Actividades

Professores

Carla Ribeiro

João Pinto

Manuela Pedroso

Márcia Lança

Formulário de inscrição

5 a 9 de agosto, 2026

Forum Dança, Espaço da Penha, Lisboa

Inscrições abertas.

Ambiguous Intensities

Um workshop com Harald Beharie

Informações

A quem se destina

Horários

Local

Taxa de participação

Descontos

Formulário

Biografia

Harald Beharie

Organização

Ciclo de apresentações

2026 | Forum Dança

Programa

8 maio 18h30

29 maio 18h30

1 de outubro 2026, às 18h30
Forum Dança • Espaço da Penha • Lisboa

9 a 12 julho 2026
quinta a sábado 19h30 + domingo 17h30

7 a 11 de setembro de 2026 | 15h – 18h00
Forum Dança

7 a 11 de setembro de 2026 | 19h – 21h30
Forum Dança